30.12.12

CARTELERA COMERCIAL La Caza

JATEN

La Caza (2012)



Este año he visto dos películas que han mostrado los contrastes de la sociedad, su transformación y el impacto que diversos sucesos pueden afectar la vida de las personas. Si bien los personajes principales parecieran estar sujetos a un experimento de campo, sus culpas (o la ausencia de) son los que manipulan al espectador que, al mismo tiempo, no olvida la situación (¿justa, injusta?) donde están inmersos. Y es que, a pesar de estar realizadas de manera imparcial, uno no puede dejar de tomar (o no) partido con ellos. Hablo de Tenemos Que Hablar De Kevin (2011) (Mi reseña enfocada a la maternidad por acá) y La Caza (2012). Ambas estrenadas este año, una a principio y otra a finales.

Tenemos Que Hablar de Kevin (uno de mis titulos favoritos del año) mostraba la vida de culpa, remordimiento y deber de una madre hacia su hijo sin importar lo que éste haya hecho o el daño que haya causado. Al mismo tiempo, podemos ver a la sociedad que la castiga por un crimen que ella no cometió pero que sienten que debió haber prevenido. El odio de la sociedad en una madre que siente que lo merce. (La escena con los testigos de Jehová)

La Caza nos enseña el otro lado de la moneda. Lucas, un profesor de kinder, se convierte en sospechoso de pedofilia después de que Klara, una niña de 4 años, expresa haber visto su "miembro apuntando al cielo". Una frase pronunciada con despecho por alguien "inocente" que no puede entender las consecuencias que traerá a la vida de este hombre. Asi que partiendo de la premisa "Los niños no mienten. Son inocentes" la sociedad comenzará una cacería de brujas donde Lucas perderá todo lo que tiene, sobretodo la amistad y cariño de quienes conocía, con algunos para siempre.

Como espectador uno se encuentra comprendiendo los dos lados de esta batalla. Los padres protegiendo ciegamente a sus hijos y Lucas soportando todos sus insultos sin haber cometido ningún crimen. Sin embargo uno no puede dejar de sentir frustración y enojo a aquellos que sólo odian y lastiman sólo por un rumor mal manejado por la directora del kinder y finalmente por una sociedad que ya esta preparada para pensar lo peor de las personas. 

Dejando dos de las mejores secuencias del año: la pasividad y odio irracional en el supermercado y la desesperación e impotencia en la iglesia, La Caza es uno de los filmes más acertados de este año. Acertados porque logra mostrar como las palabras dichas en el momento y por alguien adecuado puede plantar una pequeña semilla de duda que de manera colosal se convertirá en algo más grande; porque muestra como el odio se esparce más rápido que el perdón y la amistad; porque pareciera que el humano quiere y necesita odiar a su prójimo; por como el amor hacia un hijo y la necesidad de protegerlo puede cegar la mente y la razón.

"Klara tiene una imaginación muy grande pero no creo que sea este el caso" dice erroneamente la directora del kinder a un pseudo psicólogo. Esta frase no sólo aplica para la pequeña niña y sus compañeros de clase sino para toda la sociedad que los rodea. Si tenemos una imaginación muy grande y lamentablemente la usamos para lo peor. 

20.11.12

Kdabra Tercera y Temporada Final

KDABRA

(2009-2012)

Tercer Temporada y Final




Si me dieran un peso por cada vez que alguien duda de mi credibilidad (o de mi cordura), se rie de mi o esperan a que les diga "Es una broma" cuando les digo que me gusta Kdabra... tal vez no sería millonaria pero unos buenos billetes si tendría. Y es que los trailers o los pocos minutos que se pueden ver de la serie no inspiran nada de confianza a un público acostumbrado a shows "trabajados" que, aunque sean de fantasia o ciencia ficción, no suenan tan ridículos como esta serie. Excepto Doctor Who, pero explicar esa serie es una proeza.

Y es que el problema de Kdabra radica en un simple pero muy importante aspecto: la dirección de actores. Todos los personajes son interpretados por gente con experiencia por lo que no entiendo como pueden leer de forma tan burda y ridícula un guión que, lo admito, a veces no tiene los diálogos más inteligentes. Si bien Damián AlcázarJoaquín Cosio y, algunas veces, Christopher Von Uckermann salvan la serie de caer en el desastre, los demás actores parecen robots casi todo el tiempo.

Dejando esa parte clara regreso a la pregunta del millón ¿porqué Kdabra es digna de verse y disfrutarse como cualquier otra serie? En vista de que tenía/tengo que defender la serie (o al menos explicar mis razones) hice una lista con dos grandes puntos que explican mi admiración y gusto por este show.

1.- Primera serie latinoamericana de ciencia ficción / fantasia.

Que yo sepa aparte de Aventuras en el Tiempo (telenovela mexicana) esta es la primera serie latinoamericana que se atreve a incursionar en un género que ya de entrada es bastante complicado. Los fans son pocos y exigentes; requiere producciones muy grandes con numerosas locaciones y un sin fin de efectos especiales para su realización; si hacen todo eso mal, la serie cae al precipicio rápidamente. 

En este aspecto Kdabra sale bien librada. Si bien la primera temporada no gozaban de un presupuesto inmenso lograron hacer efectos no tan risibles y sólo los usaban cuando era estrictamente necesario. Ya en su tercer temporada, sabiendo que era la última, lanzaron la casa por la ventana y dieron todo el presupuesto a los efectos especiales. Esto siempre se agradece ya que ayuda a digerir mejor una historia donde la magia, las divinidades y la ciencia convergen de formas peculiares.

2.- Guión.

Lo más complicado al realizar una serie de ciencia ficción/fantasia es tener un universo que se sostenga por si sólo. Tener todos los cabos atados para poder desarrollar a los personajes libremente sin caer en lo fácil o redundante. Nunca se puede estar seguro que tanto del final estaba planeado desde un principio (como se le reclamaba a los escritores de Lost) pero la decisión de mostrar todas las cartas (o no) es lo que define a la trama.

En Kdabra los guionistas mostraron muchos aciertos. El primero fue el uso casi perfecto de los cliffhangers al final de cada episodio. Por muy ridículos que pudieran sonar, atrapaban al espectador con la simple pregunta ¿Y ahora que demonios esta sucediendo? Otro buen punto fue la manera en que, a partir de la segunda temporada, mezclaron lo religioso con lo científico para que el espectador tenga la decisión final ¿Donde se encuentra la verdad, en lo espiritual o en lo científico?

Lamentablemente esta historia a veces era demasiado larga. Muchas situaciones se quedaban de relleno o eran alargadas para llenar los 50 minutos de duración del show. Este es un problema que encuentro constantemente en series latinoamericanas, llega un punto donde no se sabe que más hacer por el capitulo de ese día. Y como las series de 30 minutos son para otro público, hay que forzar la trama un poco para que aguante. 

Apesar de ello el universo construido con el paso de las temporadas estuvo lleno de misterios, vueltas de tuerca, reflexión religiosa, reflexión científica, magia y dilemas morales bastante interesantes. Si bien la primera temporada no tenía un rumbo fijo, en la segunda temporada pasó todo lo que podía pasar en una serie de ficción (las monjas con metralletas fue lo mejor); la tercera temporada cumplió con un cierre, predecible, pero que junta toda la historia y la vuelve completa. 

Con todos sus defectos Kdabra es una serie redonda que finaliza en el momento adecuado cerrando una gran historia que deja ver un gran desarrollo del personaje principal Luca y, aunque a veces tomaban decisiones de la nada, también de los demás. Kdabra fue un largo proceso que, a pesar de muchos tropiezos, fue evolucionando para terminar dignamente como la primera gran serie de ciencia ficción. El camino ya esta trazado, ahora sólo hay que seguirlo.

Kdabra me dejó un sabor de excentricidad y magia, hasta podría decir que celestial. Si pueden darle una oportunidad dejense llevar por la risa y la locura. Y mientras están en ello recuerden esta magnifica frase del final:


Érase una vez un dios que quería ser mago.


19.11.12

CARTELERA COMERCIAL Skyfall (2 al 8 de Noviembre)

SKYFALL

2012

50 años desde que el primer Bond, James Bond apareció en la pantalla grande. 50 años desde que un género comenzó a definirse en base a frases, secuencias, mujeres, autos, trajes y música. 50 años desde que la evolución del cine de espias podía verse en una saga inglesa. Ian Fleming, creador del personaje en 1952, nunca pensó que su novela seguiría viva a través de diversos actores y una franquicia que, probablemente, salvó a MGM de la bancarrota.

Barry Nelson, Sean Connery, David Niven, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig han sido los hombres que han interpretado al espía con más clase de todo el cine. Su evolución ha pasado por todas las facetas: gracioso, serio, sarcástico o simplemente atractivo, James Bond sólo ha tenido dos intereses: mujeres y el arte de matar.

Sin embargo el tiempo ha pasado por esta saga y ver una película de hace años no es lo mismo que verla ahora. Si bien la trama no ha cambiado (Villanos, Misión, Bond, Salvar al Mundo, Mundo Salvado) la narrativa y la estructura se han transformado poco a poco dejando un legado sobre el cine y su evolución.

En el 2002 Pierce Brosnan conluyó su etapa Bond con Otro Día Para Morir. Mal recibida por la crítica y por los fans, los productores no sabían que seguía para el famoso espía. Sin embargo, ese mismo año, salió a la pantalla grande la primera parte de lo que se convertiría en la trilogía más admirada del cine de espías: The Bourne Identity (2002). La saga Bourne con Matt Damon en el rol de un soldado letal con amnesia redefiniría no sólo la manera de abordar al personaje "espia" sino el manejo de cámaras y la edición. 

Fue asi como los productores decidieron comenzar una nueva etapa reclutando a Daniel Craig como el nuevo 007 y a un viejo conocido como director: Martin Campbell (Goldeneye 1995). Con un Bond con miedo y enamorado pero no por ello menos temerario y letal, Casino Royal (2006) fue un nuevo patrón. La fotografía y la edición fueron más dinámicas; mientras que los autos y los gadgets estuvieron más discretos. El agente 007 podía sufrir, lastimarse y ensuciarse; al final de cuentas, ser más humano. Con el corazón roto, Bond regresaría para Quantum Of Solance (2008). 

Si bien los críticos dudaban que Craig estuviera a la altura del reto, ya para el 2008 se le pondría como el mejor Bond de los últimos años. Craig, quien como actor comenzaría a destacar teniendo hasta tres películas en cartelera al mismo tiempo, no sólo llenaba el puesto con su galantería y penetrante mirada sino también hacia sus propias secuencias de acción. No dobles para el nuevo Bond, lo cual le costaría varias heridas al actor pero no le quitaría la satisfación como actor.

Ahora, ya con la confianza (o no) de un dividido público y crítica, Skyfall (tercera parte de la nueva saga) se apunta como la mayor película de James Bond, al menos en taquilla. Con un villano psicópata (Javier Bardem nada despreciable en su papel) y con M (Judi Dench como siempre perfecta) en peligro Bond, James Bond muestra sus habilidades en una película plagada de referencias a los filmes que la hicieron la gran saga que es y concluye como un hermoso homenaje para un personaje de esta última década. 

Con la dirección de Sam Mendes y la hermosa fotografía de contrastes absolutos de Roger Deakins Skyfall tiene grandes momentos de acción, tensión y un pequeño vistazo al pasado del agente. En lo personal me encanta la nueva cara de este mítico personaje asi como la nueva sobriedad de las películas que dejan un poco atrás la ciencia ficción acercándose más al drama. Tal vez no sea la película de espias pero nadie puede sentirse desapegado de ella. Por ello puedo decir que, en su elemento, Skyfall es una de las mejores películas de la saga, o al menos de las que más he disfrutado y admirado.  


29.10.12

SERIES Doctor Who Segunda Parte 2/3

DOCTOR WHO

Nueva Era (2005-Actual)

Segunda Parte


Con 26 años y 26 temporadas emitidas Doctor Who se había convertido en una de las series británicas más amadas y vistas en Inglaterra. Sin importar su trama extraordinaria, imposible de explicar y un presupuesto mínimo con monstruos de látex acechando las pesadillas de los niños; esta serie infantil era, y seguia siendo, de culto para todos los adultos que crecieron con ella.

16 años de abstinencia. Con una película, miles de VHS, cintas restauradas, juguetes y TARDIS escondidas en las casas como intento de recordar la serie, los whovians no perdían la esperanza de que, algún día, su Doctor regresaría. La espera duraría siete años más. En el 2003 los rumores indicarían que, en las oficinas de la BBC, el guionista Russell T. Davies y la productora Julie Gardner planeaban el regreso del Señor del Tiempo.


Anunciando el regreso de Doctor Who como serie en el 2005, Russell T. Davies whovian, guionista y productor, prometía un borrón y cuenta nueva para atraer a una nueva audiencia pero sin olvidar la esencia de la serie y su pasado. El noveno doctor sería encarnado por Christopher Eccleston y sería acompañando por Billie Piper como su nueva acompañante. 

La historia comenzaría con el Doctor saliendo de la Guerra del Tiempo en la cual encerraría a todos los de su especie con los Daleks (sus enemigos más fieros) en una jaula de tiempo. Solo en el universo comenzaría a vagar de nuevo por la Tierra (Londres 2005) y encontraría a Rose Tyler quien se enfrentaba a un ataque de maniquies de plástico (autons, viejos enemigos).

Este pasado es absorbido a la perfección por Christopher Eccleston quien interpreta a un Doctor vengativo y furioso que puede llegar a ser sarcástico y frío. Muy parecido a la personalidad del primer Doctor, un pasado obscuro rodea sus auras. Pero con la ayuda de Rose (Billie Piper) es capaz de dejar todo esto atrás y comenzar de nuevo con un gran sacrificio.

No mentiré. Para nuestro tiempo (2013) la primer temporada es muy difícil de ver. Es lenta, los primeros capítulos son casi puro relleno a la historia y la producción deja mucho que desear (aunque con el poco presupuesto que tenían es un gran logro). Todo comienza a tomar sentido por ahí del octavo (Father's Day) o noveno episodio (Empty Child) cuando el Capitán (John Barrowman) se une al cast. Sin embargo no puedo dejar de señalar que cada episodio tiene su frase, su moraleja o su enseñanza que hace de este show algo único y perfecto. Y si, hay dos que tres monstruos que los van a hacer reír a lo grande pero también hay dos que tres episodios que van a enseñarles algo de ustedes mismos.

Con la nueva era de Doctor Who también se reforzaron dos reglas. La primera fue el uso del desatornillador sónico, utilizado sólo por los primeros doctores, se traería de vuelta. Este aparato es usado siempre por el Doctor como una alternativa para resolver cualquier conflicto sin la necesidad de armas. El desatornillador hace honor a su nombre ya que sólo puede abrir puertas, romper códigos de seguridad y arreglar cualquier cosa electrónica; no lastima y no mata. Esto obliga al Doctor a usar métodos pacíficos para resolver sus conflictos, los cuales casi siempre arregla hablando. De esto me gustaría remarcar la palabra "obliga" ya que el Doctor siempre tendrá un pie en la violencia pero serán sus acompañantes que lo disuadan y lo alejen de su lado obscuro.

Esto nos lleva a la segunda regla: el Doctor siempre debe tener un acompañante que lo aleje de los pensamientos sombríos y lo ayude a sorprenderse del universo. Él vive a traves de las emociones, inteligencia y bondad de quienes lo acompañan; son ellos lo que sacan lo mejor de él y quienes lo ponen en el camino correcto. Por lo mismo no cualquier persona puede viajar en la TARDIS de forma permanente. En el momento que el Doctor comience a abusar de su poder (cambiar puntos fijos del tiempo, salvar a quienes no debe) es cuando una nueva regeneración sucede, como consecuencias de un terrible error.

En algún punto de la primer temporada Christopher Eccleston decidió que ya no quería formar parte del grupo de Doctor Who asi que Russell T. Davies tuvo que formar una despedida para el noveno Doctor y organizar la llegada del décimo. Haciendo que el Noveno sacrificara su vida por Rose, dejando atrás la ira y el enojo que lo formaban, llegó David Tennant y con ello un nuevo Señor del Tiempo.


Al sacrificarse por Rose la nueva regeneración del Doctor resultó ser mucho más humana que la anterior. Su ira sólo se manifiesta cuando sus acompañantes se ven amenazados, el resto del tiempo admira toda muestra de compasión, inteligencia e ingenio; más platicador y mucho más aventurero; siempre quiere descubrir nuevos mundos y dejarse sorprender por ellos. David Tennant no sólo haría al personaje mucho más simpático, agradable y enigmático, también subiría los ratings para convertir a Doctor Who como la serie para niños (y no tan niños) más popular de Inglaterra.

El carácter del Doctor fue definiendo los episodios y con ello la serie. Tolerancia, respeto, amistad y valorar cualquier tipo de vida por muy diferente que sea a nosotros se convirtieron en mensajes de cada episodio. Ahora no sólo estaba Rose (Billie Piper) quien sería la primer acompañante de la que se enamoraría el Doctor; también su mamá y Mickey quienes fueron personajes de varios episodios. Asi mismo Sarah Jane Smith (Elisabeth Sladen), quien fuera acompañante del tercer y cuarto Doctor, fue invitada a participar una vez más en Doctor Who. 

Cuando Billie Piper decidió abandonar el show Russell T. Davies se encargó de que los whovians jamás olvidarán a la primer acompañante de la nueva era con un episodio que hasta el día de hoy muchos fans no pueden superar. Para la tercer temporada llegaría Martha Jones (Freema Agyman) la primer acompañante que estudia para ser doctora se distinguiría por su inteligencia y compasión. En varios episodios explorarían el dolor de perder a alguien o tratar de aferrarse a los recuerdos. También se presentarían a un nuevo monstruo en el episodio de Blink (s03e10) que puede traumar a una persona o dos. Y llegaría un personaje ya conocido por los whovians clasicos que perfilará esta etapa a un gran desenlace: The Master.

Para la cuarta temporada la fantástica Donna Noble (Catherine Tate) se haría cargo de quitar las acompañantes/intereses románticos mostrando a una mujer fuerte y divertida que muchas veces pondría al Doctor en su lugar. Donna Noble fue la mujer más importante del universo por una temporada donde hubo muchos guiños al clásico Who; personajes pasados; capítulos magnificos que explorarían temores básicos del ser humano (Silence In The Library, Midnight); y un nuevo monstruo que justifica nuestro miedo a la obscuridad. Todo esto terminaría con una gran reunión de todos los personajes y un enemigo cuya actuación fue simplemente fantástica.

Sin embargo después de tres temporadas David Tennant comenzaría a tener una agenda apretada, por lo que la grabación de la quinta temporada se atrasaría una y otra vez. Al mismo tiempo Russell T. Davies se sentía cansado y quería ceder el lugar de guionista principal/productor a alguien más. Todo esto dio lugar a la creación de cinco episodios finales donde Tennant y Davies se podrían despedir de todos los whovians que los consideraban el mejor Doctor y productor del momento, no por nada Davies había resucitado a la serie de largo letargo.

Formando un camino que llevaría al Doctor a su lado obscuro y con un capitulo donde se despedía de todos sus acompañantes, una nueva regeneración estaría a punto de llegar. Tennant y Davis cerrarían una etapa del nuevo Who que marcarían los valores de nuevas generaciones. Esta etapa se caracterizaría como la más humana. Por ello no es de sorprender que las últimas palabras de ambos (como actor y guionista) fueran los de muchos whovians: "I don't want to go." (No me quiero ir)

Pero como bien digo la criatura Ood al Doctor mientras se encaminaba al final:

"This song is ending, but the history never ends"
"Esta canción esta terminando, pero la historia nunca termina"

Siguiente

Doctor Who en su nueva etapa con Moffat

Cabe destacar que de esta etapa saldrían dos spin offs: The Sarah Jane Adventures con Sarah Jane Smith y Torchwood con el Capitán Jack.

Por acá un video que hicieron David Tennant, Catherine Tate y John Barrowman como homenaje cómico a Davis y Julie Gardner por todo lo que tuvieron que pasar para hacer esta nueva etapa de Doctor Who.

28.10.12

CARTELERA COMERCIAL Looper y The Perks Of Being a Wallflower (26 Octubre a 1 Noviembre)

LOOPER

El Asesino del Futuro (2012)




La verdad yo no sabía que esperar de Looper. Sabía que tenía viajes en el tiempo y que Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt tenían las actuaciones estelares; digo, hasta palomitas iba a llevar a la sala. Sin embargo a la mitad de la cinta tuve que terminar con mi humor Back To The Future y empezar con algo más Blade Runner; aún así fue muy difícil digerir la cinta. Y es que Looper, como buena cinta postapocalíptica de ciencia ficción, tiene más capas que explorar de lo que se aprecia a simple vista.

Del director primerizo Rian Johnson comienza una historia donde en el año 2074 deshacerse de un cuerpo es casi imposible, por lo que la mafia manda los cuerpos treinta años atrás para que asesinos a sueldo eliminen y desechen a sus objetivos; a estos asesinos se les llaman loopers.

Esta trama puede verse y entenderse claramente en el trailer y primeros minutos de la película gracias a la voz en off de Joe (Joseph Gordon-Levitt), un looper que disfruta de la vida hasta que se cierre su ciclo (tenga q matarse a si mismo del futuro). Sin embargo su yo del futuro tendrá otros planes.

Más allá de la trama donde Joe persigue a su yo futuro para saldar cuentas tenemos una historia donde el pasado, el presente y el futuro es definido por nuestras experiencias y decisiones que cambian nuestra forma de ver el mundo. Una sordida reflexión sobre lo que creemos correcto sobre nosotros mismos y lo que somos capaces de hacer para salvar al yo creado por la vida que decidimos elegir.

Asi que más que divertir al espectador esta cinta jugará con tu cabeza y la pondrá en lugares incómodos para que puedas reflexionar. En general pude sacar dos conclusiones: o la profundizas y analisas viendola una segunda vez (lo que haré en un futuro) o te ríes con los demás espectadores que no sabían que estaba sucediendo. Decisiones y decisiones que pueden cambiar el futuro y por ello, nuestra misma persona.

8.5/10


THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER

Las Ventajas de Ser Invisible (2012)




16 años. Época de transición y cambios; de ser rechazado y aceptado; de sentir que el mundo te pertenece y que, al mismo tiempo, te rechaza. A este tema el cine ha tenido diversos acercamientos. Tenemos a un Harmony Korine que mostraba la parte destructiva en Kids (1995)  o un acercamiento más poético pero igualmente caótico como en The Dreamers (2003) de Bernardo Bertolucci. Sin embargo, en una época donde la destrucción es más psicológica y lo poético surge de la nostalgia, el director Stephen Chbosky  nos tiene una opinión más liviana, íntima y sonorizada con clásicos de cuando el mundo de hace tizas en nuestra cabeza.

Charlie acaba de salir del hospital por circunstancias que desconocemos, en una carta expresa el temor que tiene al ingresar nuevamente a la escuela en su etapa preparatoria, vivimos con el en su soledad e inseguridad hasta que decide asociarse con un par de alumnos que están apunto de partir a la universidad. Secretos, relaciones, amor, odio, amistad, miedo, intolerancia y sentido de pertenencia son lo que este nuevo grupo mostrará a Charlie, en pocas palabras le entregarán el mundo.

Con una fotografía subjetiva que a veces peca de buscar ser "inspiracional", un soundtrack que va desde Bowie hasta The Rocky Horror Picture Show; y decenas de referencias literarias, The Perks... es una cinta hermosa que evade ser curda pero no teme ser emocional. Un recuento por la adolescencia de todo estudiante "diferente" que busca su lugar en el mundo. Tal vez suene muy cursi pero así es el filme. Afortunadamente tiene el exacto nivel de todo lo mencionado para no molestar al espectador. Al final es una hermosa historia con un buen mensaje que no cae (mucho) en los clichés y que vale la pena ver. 

8/10

15.10.12

SERIES Doctor Who Primera Parte 1/3

DOCTOR WHO 
(1963-Actual) 

Primera Parte




La sinopsis oficial de la serie es: 
"Un viajero alienígena, junto con diversos acompañantes, se mueve por el tiempo y el espacio arreglando problemas y observando el universo". 

Sin embargo los whovians (termino como se denominan a los fans) podrían definir la serie como 
"Un poco alien, un poco humano y un poco de quien sabe que es. 
En teoría son cosas timey wimey wibbly wobbly." 

Una definición seria y aburrida contra la locura y excentricidad de los fans no alcanza para abarcar el alcance emocional y psicológico que ha provocado una serie que lleva ya casi 50 años de existencia; ahora, ya con éxito mundial. Todo  esto comenzó (y sigue siendo) como un programa para niños.


Susan una chica de 15 años sorprende a sus profesores Barbara e Ian por su amplio conocimiento en la historia del planeta, sin embargo se preocupan de que su abuelo sea una mala influencia. Deciden seguirla a casa y descubren que vive dentro de una cabina telefónica de policía. Indignados y enfrentandose al abuelo, un supuesto doctor, entran por Susan y descubren que "is much bigger on the inside" (es más grande por dentro). El abuelo doctor, indignado por ser descubierto, activa la cabina que resulta ser una nave espacial y los transporta por error a la época donde el hombre descubre el fuego.

23 de noviembre de 1963, Tierra: Inglaterra. En ese tiempo y espacio comenzaba uno de los fenómenos sociales y culturales más importantes de la historia de ese país. Sencillo, de bajo en presupuesto, blanco y negro, una extraña música electrónica y una entrada que se podría definir como psicodélica; este programa de televisión marcaría una nueva era de conceptos e ideologías que se transmitiría a los niños, sus hijos y sus nietos. Todo comenzaba con los créditos que, hasta el día de hoy, resuenan en la cabeza de miles de whovians. (Escuchen por acá)

Conforme el paso de las primeras tres temporadas (1963-1966) nos mostraron que el Doctor, apodo el nombre del abuelo, era un Señor del Tiempo proveniente del planeta Gallifrey que viajaba con su nieta a través del tiempo y el espacio en su nave T.A.R.D.IS. (Time And Relative Dimension In Space) que siempre se mimentiza con el ambiente como una cabina de policía de 1963. 

Malhumorado y con un lado obscuro, el Doctor interpretado por William Hartnell  a sus 55 años, establece el personaje y la trama de un Doctor Who (producido por Sydney Newman) como un programa para niños. "Educativo" en aspectos históricos, interesante e inteligente comienza a marcar una pauta para las series de ciencia ficción. Los monstruos o humanos con los que se enfrentan cada capitulo comienzan a poblar las pesadillas de los niños y cada frase comienza a ser esencial para entender la cultura inglesa. Un ejemplo de esto es la palabra TARDIS que se utiliza para denominar a cualquier cosa que pareciera ser mucho más grande por dentro que por fuera.

Conforme pasaron los años Doctor Who fue ganando más publico, sin embargo por problemas de salud William Hartnell tuvo que dejar la serie. Así que, en lugar de terminar el show, decidieron dar una vuelta de tuerca con un concepto que ayudaría a que se pudiera continuar sin ningún problema hasta la actualidad: la regeneración. El Doctor, en su naturaleza de Señor del Tiempo, cuando estuviera a punto de morir podía cambiar todas las células de su cuerpo creando una nueva apariencia y una nueva personalidad pero conservando sus recuerdos. De esta manera el actor principal cumplía un periodo en la serie y podía renunciar sin afectar al programa. Lo mismo con los acompañantes que variarían dependiendo de las necesidades argumentales.
  Fue así como cada actor fue imprimiendo un ritmo y estilo único al Doctor que, ya en su cuarta regeneración (1974) con Tom Baker a cargo, resulto ser mucho más excéntrico desde su forma de vestir hasta en su personalidad. En sus propias palabras "El Doctor es un alienigena, evidentemente no podía ser una persona común y corriente". 

La personalidad del Doctor, asi como el tono de la serie, variaría desde ser infantil y emocional a obscuro y serio. De tratar de matar a alguien en el primer episodio podría ser una figura más pacífica, a veces cínica, bromista o algunas veces destructora. El Doctor dependería de los actores que lo interpretaran y el enfoque que estos le dieran.
Sus acompañantes (en su mayoría mujeres) pasaron por todo el especto de las ideas feministas. Pasarían de damiselas en apuros (con todo y gritos/desmayos incluidos) a personajes fuertes y con personalidad propia. Como fue con el caso de Sarah Jane Smith (Elisabeth Sladen) quien sería la primer mujer periodista que podía igualar al Doctor en astucia e inteligencia. Su aparición no sólo sería con el tercer y cuarto doctor sino que regresaría para las nuevas series y consolidaría su propio programa en un spin off en el 2011.

En algún punto los padres de familia quisieron prohibir la serie ya que, según sus testimonios, era demasiado violenta y terrorífica para sus hijos. Lo curioso es que, debido al bajo presupuesto, estas pesadillas eran provocadas por monstruos de hule o latex con materiales de cocina insertados en su "cuerpo". La realidad era que toda su imagen "terrorífica" estaba en el sonido (como los terribles Darleks y Cyberman basados en la figura nazi) y en la importancia que la trama les daba. Los productores contestaron a esta amenaza argumentando que era un programa de ciencia ficción y que había cosas más terribles en los noticieros de la tarde.

Después de casi treinta años de un relativamente exitoso programa la BBC planeaba cancelar. Sin previo aviso y dejando en un eterno continuará, Doctor Who fue cancelada en 1989 dejando a Sylvester McCoy como el séptimo y último Doctor a cargo.

Años y años se trató de revivir la serie. Pero fue hasta 1996 que se pudo realizar una película donde se mostraba a la octava reencarnación del Doctor con Paul McGann. La cinta fue bien recibida por los fans que se encontraban ansiosos de mostrar a sus hijos o nietos un pedazo del programa de su infancia. Por toda Inglaterra comenzaron a publicarse libros, audiolibros y comics de la serie que rehusaba irse al olvido. Incluso la BBC comenzó a rescatar episodios de 1963 ya que los negativos se perdieron, estaban muy deteriorados o simplemente la misma productora los había borrado para hacer espacio en el "disco duro". En muchos de los casos sólo se pudo salvar el sonido o trozos del material. Aforutnadamente la BBC ha recuperado algunos momentos como la regeneración del primer Doctor gracias al material guardado por los fans.

No fue hasta el 2003 que los rumores comenzaron a traer buenas noticias para todos los whovians. Algo se estaba concretando, no era una película, no era un homenaje. Una nueva serie prometía resurgir gracias a un hombre llamado Russell T Davies que desempolvaría la TARDIS y la volvería a poner en marcha por todo el tiempo y el espacio.

SIGUIENTE
La nueva etapa de Doctor Who con Russell T. Davies


POR ACÁ pueden ver una linea de tiempo que muestra a todos los doctores con sus acompañantes y sus enemigos. En que episodios salieron, cuanto duraron y otros detalles interesantes.

10.10.12

CARTELERA COMERCIAL (5 al 11 de Octubre) Los Últimos Cristeros

LOS ÚLTIMOS CRISTEROS
(2011)



El cine mexicano se ha caracterizado por ignorar grandes eventos sociales y políticos del último siglo. Ya sea por falta de financiamiento, guiones o espíritu inovador nos gusta quedarnos con las viejas, pero siempre funcionales, tramas "chico conoce a chica". 

Sin embargo estamos frente a una nueva ola que, si bien puede ser convencional (Cristiada 2012), esta buscando nuevos temas olvidados de la historia de nuestro país. Si continuamos así probablemente alguien le atine y pueda expresar lo que alguna vez se vivió en nuestras tierras, justo como Los Últimos Cristeros es capaz de mostrar. 



Uno de estos eventos olvidados de nuestra historia es la guerra cristera que comenzó cuando el estado le quitó derechos políticos a la iglesia dejándola sólo como una institución religiosa. Sin embargo el punto de quiebre fue cuando el presidente Plutarco Elías Calles decidió cerrar de forma definitiva los centros religiosos y expulsar a los sacerdotes del país. En ese momento comenzó una guerra civil donde los creyentes defenderían con palos y machetes su libertad religiosa. Fue un periodo sangriento de nuestra historia que terminó en papeleo burocrático y tratos entre las altas esferas sociales. Al final la misma iglesia comenzó a perseguir a los cristeros por romper la paz social y los engañaba para, una vez en su poder, fusilarlos. 

Es en este periodo cuando comienza la película. Hombres perdidos, huyendo de un enemigo invisible, atravesando interminables sierras y siempre en peligro; solos con su fe alejados de su familia. Mientras el clima los azota, la soledad crece y Dios se aleja más de ellos. 




Los Últimos Cristeros dirigida por Matías Meyer, hijo del famoso historiador Jean Meyer, es un hermoso relato que habla sobre la redención, la fe y la lucha. Basada en Rescoldo, Los Últimos Cristeros de Antonio Estrada y en las investigaciones de su padre, Matias Meyer busca un retrato sencillo pero poderoso mientras contempla la naturaleza y en el rostro de sus actores.

El filme lleva su propio ritmo mientras acompañamos a los personajes en su travesía. Con un uso mínimo de palabras vemos las acciones de los personajes, su lucha interna y su hermandad dentro de un ambiente sorprendentemente agresivo. El uso del cine es exquisito cuando se trata de paisajes o negros profundos. Asi mismo los personajes son interpretados por gente local; no necesitan decir mucho, su cuerpo, rostro y expresiones son más que suficientes. 

Los Últimos Cristeros no excede la hora y media de duración sin embargo por el ritmo es probable que se sienta un poco más. Pero esto no quiere decir que la cinta sea mala o lenta, cada escena tiene su razón de ser y nos dice muchas cosas sobre la lucha de los personajes. Simplemente ese es el ritmo que eligió el director y, al final, fue el mejor para retratar un periodo de soledad y desesperanza. Con una hermosa fotografía basada en imagenes tomadas en esa época y grandes momentos humanos, Los Últimos Cristeros es una de las mejores opciones alternativas del cine comercial. Y además es cine mexicano que debemos apoyar. 

30.3.12

CARTELERA COMERCIAL (23 al 29 de Marzo) THE HUNGER GAMES

THE HUNGER GAMES
(Los Juegos de Hambre 2012)



Cuando comenzó la campaña viral por internet muchos comenzaron a poner etiquetas. "La nueva twilight" y "la saga que remplazará a Harry Potter" fueron las más escuchadas por un estudio que, en un principio, no parecía apostar mucho por su nuevo blockbuster. Sin embargo, gracias a un gran marketing y con una ayudadita de los lectores de la trilogía bestseller del mismo nombre, Los Juegos del Hambre comenzaron a llamar la atención en los medios y público adolescente. De hecho, si me acerque al libro fue más que nada por el críptico teaser y la campaña viral. 

Sobre la trilogía en literatura no hay mucho que decir. Fáciles de leer, una trama sencilla y con el tamaño correcto para no intimidar a ningún lector del mundo potteriano o de los vampiritos que brillan. Sin embargo si destacan por la creación de un universo completo y complejo, asi como la descripción correcta de los escenarios y emociones de nuestra heroína: Katniss Everdeen. Lamentablemente la autora se vuelve floja y deja morir sus libros lentamente hasta llegar a un final explicado con cientos de hoyos negros que esta muy lejos de ser épico.

Lo único curioso era que, mientras leía ese decepcionante final, lo único que podía pensar era que la adaptación al cine podría rebasar enormemente la literatura mediocre, ya que todo quedaba en la imaginación del lector. Y, despues de ver la manufactura de la cinta y las inminentes secuelas ya confirmadas por la cantidad de dinero recaudado, estoy casi segura que los libros quedarán en el olvido. 

Si algo se le puede agradecer a Los Juegos del Hambre es la fiel adaptación, letra por letra. Excepto algunos pequeños detalles que ayudan al ritmo cinematográfico, casi nada es modificado de la lectura original. El resultado es una película que tarda en llegar al "climax" de la batalla pero que explora perfectamente una estructura bien construida y pensada. 

Con la ayuda de una edición y una fotografía estilo documental/batalla la cinta se mantiene fiel al género al que pertenece: una distopia futurista donde la revolución es inevitable cuando un nuevo símbolo surge. Ahora, tampoco se emocionen que como toda revolución esto comienza poco a poco, en esta cinta es el preludio con todo e historia de "trío amoroso" para engañar al público adolescente. Eso y las batallas editadas al caos total donde sólo ves sangre, cuerpo, cuerpo, sangre, muerto en menos de 5 segundos, son los únicos peros que le pongo a la cinta. 

Con una música instrumental (otro punto extra de la cinta, nada de música pop) discreta pero contundente que apuesta más por los silencios y ambientes, la película tiene miles de detalles perfectos que complacerán a los lectores y, a los no lectores, les hará meditar. El arte, un poco a la Brazil de Terry Gillam, queda perfecto con sus colores chillones y vestuarios estrafalarios para poner el contexto la situación.  Con la magnifica actuación de Jennifer Lawrence y personajes secundarios como Stanley TucciElizabeth Banks y Woody Harrelson que dan un toque especial a la cinta, The Hunger Games es el primer blockbuster "indie" que marca el comienzo de, lo que se espera, sea un gran verano de estrenos blockbuster épicos. Y pues la verdad, no empezamos nada mal. 8/10

21.2.12

Camino al Oscar Nominadas 2012

Camino al Oscar 2012

Lamentablemente por carga de la universidad no he podido reseñar todo lo que he visto en este último mes. Sin embargo el próximo fin de semana es el evento más esperado del año. Tal vez no sea por su relevancia o su acierto al elegir películas y premiar actores (como la ignorada Tilda Swinton impresionante en la cinta Tenemos Que Hablar De Kevin reseña por acá), o porque sea una gala particularmente bien organizada o porque el evento tenga los mejores chistes (Aunque Bill Crystal promete mucho este año), simplemente son una gran referencia de las películas que deberíamos poner al principio de nuestras listas junto con las de los otros festivales. Un último punto importante es que gracias a estas nominaciones las distribuidoras se molestaron en traer a todas las nominadas (al menos las nueve a Mejor Película) este mes y no el siguiente año. Además de que siempre es más divertido seguir el evento en el TL mientras se ve la televisión. En fin. Por esta y muchas razones más por acá las reseñas de las 9 nominadas a mejor cinta sin un orden en particular ya que este año no tengo ninguna favorita, no porque sean todas increíbles sino que ninguna me termina de convencer. 

EL ARTISTA (2011) 


Un homenaje al cine silente, no cine silente per se. Con una trama sencilla pero mejor utilizada en otros filmes (ejem ejem Cantando bajo la lluvia 1952) esta cinta ronda el dilema del actor en transición del cine mudo al sonoro y como este abandona al rehusarse a escuchar su propia voz. Con los mejores elementos del cine mudo a su disposición, el filme logra transmitir cierta nostalgia a base del humor y drama en las agradables y dinámicas actuaciones de Jean Dujardin Bérénice Bejo. Con momentos bastante hermosos como la escena onírica donde escuchamos y el incendio "la cinta 35mm no se quema en 3 segundos" la cinta podría ser la ganadora del Oscar este año. Sin embargo preferiría que su legado fuera que la gente realmente rescate filmes de Buster Keaton, Chaplin, Dreyer o cualquier película silente para ver una verdadera puesta en escena e historia. Con un final flojo que no resuelve muy bien, la cinta pasa como una de las mejorcitas de las nueve nominadas pero no termina por emocionar. 

Tiene 10 Nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía, Edición y Guión.

LOS DESCENDIENTES (2011) 


Me cuentan mis compañeros twitteros que no es la mejor obra del director Alexander Payne, sin embargo no tuve la oportunidad de ver la ganadora del Oscar a Mejor Guión Entre copas, asi que en este aspecto no juzgaré. La cinta comienza con un padre cuya esposa esta en un coma, por ello él tendrá que ocuparse de las hijas y de uno que otro secreto familiar. Con una narrativa sencilla y una edición con un ritmo pausado pero acertado Los Descendientes busca la empatía del espectador al familiarizarlo con una familia disfuncional que se construye poco a poco. Si, este es el guión de clichés pero contado con simplicidad y unas actuaciones bastante acertadas. Es más, ya deberían de darle su Oscar a George Clooney, se lo merece desde Up In The Air. Una cinta bien contada que no cae en la redundancia. Una de mis predilectas a ganar.

Tiene 5 nominaciones incluyendo Mejor Película, Dirección, Edición, Guión y Actor.

EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLE CLOSE (2011)


Dicen que es la colada. La reseña este fin de semana cuando sea su estreno en Carteleras Comerciales.

Tiene 2 nominaciones incluyendo Mejor Película y Actor de Reparto.

THE HELP (2011)
Historias Cruzadas


Como escribí hace dos meses por acá esta cinta se tenía que ver antes de que fuera glorificada por sus nominaciones y los grupos anti racismo, etc. Porque si, es una cinta bonita, pero no es la mejor hecha ni la que más conmueve. Las actuaciones de Viola DavisJessica Chastain Octavia Spencer están bien pero tampoco nos emocionemos, no vayamos a sobreactuar como con Precious. La fotografía y la edición esta bien. El guión, bah. Ya sabemos que era lo políticamente correcto y pues, así es la cinta: una lagrimita para el público, nada más. 

Tiene 4 nominaciones incluyendo Mejor Película, Actriz y dos Actrices de Reparto.

HUGO (2011)


La cinta con más nominaciones al Oscar y la más conmovedora, al menos para los cinéfilos de hueso colorado. Aquí la historia es un pretexto: un niño huérfano tratando de descubrir un mensaje que, esta convencido, le dejó su padre en un títere mecánico (?) Olvidense de eso, el verdadero asunto es encontrar el amor al cine y al arte de hacer los sueños realidad; una meta, al parecer, olvidada por los realizadores y siento que, el director Martin Scorseselo olvida por momentos. 
Muchos dicen que si no vieron esta película en 3D es como si no existiera, ya que es un parteaguas después de Avatar. Yo no puedo afirmar o negar este hecho ya que, gracias a las distribuidoras y a mi limitado tiempo/presupuesto, no pude gozar el 3D en su idioma original (peor herejía sería ver esta cinta en español). Sin embargo acepto que, en la excelente calidad que pude conseguirla, si llegue a apreciar su cuidado en la fotografía y especialmente el hermoso juego de imágenes y música en la edición. Hugo , grabada con la última tecnología en cine digital, es un perfecto homenaje a la pasión de una vida y a la miseria de lo que sería vivir sin eso; es una cinta que habla sobre sueños, anhelos y esperanzas de manera hermosa y a veces poética. Sin embargo hay personajes que no se aprovechan o podrían no estar ahi (la pareja de enamorados), momentos que no ayudan a la historia (mucho drama padre/hijo para que no termine en algo) y finalmente poco de lo que realmente importa (una luna y un viaje). A pesar del guión flojo y si la academia fuera justa, yo creo que esta cinta podría ser la ganadora. En la tierra de los ciegos, el que sueña es el ganador. 

Tiene 11 nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía, Edición, Guión y Música.

MEDIANOCHE EN PARIS (2011)


Woody Allen y su imaginario. Mi reseña por acá.

Tiene 4 nominaciones incluyendo Mejor Película, Dirección, Arte y Guión.

MONEYBALL (2011)
El Juego de la Fortuna


Para ser honesta ya no recuerdo mucho de esta cinta. Recuerdo que el guión era bastante exacto, inteligente y divertido, hecho por Aaron Sorkin obviamente; las actuaciones eran adecuadas con Brad Pitt Jonah Hill como la pareja principal; y había una muy bien lograda edición por Christopher Tellefsen. A pesar de no ser el beisball uno de mis deportes fue interesante tener una nueva mirada con alguien tan frió y calculador como el protagonista de la cinta. Emociona por momentos y pone al espectador en tensión. Una de las cintas mejor logradas pero que no compiten seriamente, ¿o si?

Tiene 6 nominaciones incluyendo Mejor Película, Guión, Edición y Actores.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011)


Yo creo que si el mundo fuera justo, y le recortara media hora a su película, esta debería ganar a Mejor Película. Y claro, Emmanuel Lubezki  para Mejor Fotografía, ya la merece. Por acá mi reseña completa.

Tiene 3 nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía y Dirección.

CABALLO DE GUERRA (2011)


Hay algo que por acá me gusta llamar la "Lágrima Spielbergeana". Es un arte que no muchos han alcanzado pero que el director Steven Spielberg ha dominado en todos los sentidos. El truco no es sencillo pero cuando se logra, no hay alma en el cine que sea inmune a su poder, al menos que ya te sepas la receta. Primero crea una relación imposible pero que pueda superar todas las adversidades (chico más caballo); luego haz que pasen por todos los horrores del mundo cruel, separados y extrañandose (guerra); crea escenas emotivas donde se muestre el espíritu puro de los susodichos; y reúnelos cuando la esperanza sea lejana e imposible. Pues ya, esa es la vacuna. Podrán ver un drama con una hermosa fotografia (al estilo Lo Que El Viento Se Llevó) y una edición conmovedora que sacará lágrimas de cualquier persona (por más macho que sea) excepto en ustedes. Así que, mientras el cine llora, ustedes verán un DRAMA, con personajes que hablan el mismo idioma pero diferentes acentos (Gringos que odian subtítulos y arruinan la diversidad del lenguaje), algunas situaciones que rayan en lo ridículo, alguna que otra escena interesante (dentro de la zona neutra de dos trincheras enemigas) y un final con todo y su rojo atardecer. En fin, es Spielberg. 

Tiene 6 nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía, Música y Sonido.


21.1.12

CARTELERA COMERCIAL (20 al 26 de enero) La Chica Del Dragón Tatuado

THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO
La Chica del Dragón Tatuado (2011)




Para comenzar tengo dos subjetividades con esta película: una se llama Rooney Mara y otra Lisbeth Salander. Claro, una es la actriz y la otra es el personaje que interpreta la actriz pero cuando se trata de heroinas patea traseros con gran inteligencia y con una personalidad tan singular, bueno, uno se derrite. Supongo que otra subjetividad sería el director David Fincher y la música hecha por Trent Reznor y 
Atticus Ross que desde Red social (por acá la reseña) mostraron su valía. Asi que con estas bases empiezo mi reseña.

Para quienes sean fans de los libros y de las películas suecas puedo decirles que si, ya leí/ví las tres partes. Respecto a los libros puedo decir que el primero me aburrió mucho. Una larga e innecesaria introducción que realmente no aporta nada a lo que serán los siguientes capítulos. De hecho si no me convencen no leo los siguientes. Sin embargo el segundo y tercer libro son dos tomos de información, sensaciones, personalidades, personajes, acciones, conspiraciones, teorías, corrupción, odio y amor. Todo estos personificado en la única Lisbeth Salander. Por momentos tiene uno que bajar el libro y tomar un respiro, sólo para seguir y seguir. En lo que más destacan es en la descripción de diversas lineas de pensamiento de hasta tres personajes al mismo tiempo, todos con su carácter y sus propios motivos. En definitiva uno de los mejores thrillers que leí el año pasado.

Llevar todo esto a una cinta es muy complicado. Un director poco diestro sólo hubiera recurrido a la facilona voz en off con muchos flashbacks, o algo asi. Sin embargo los directores suecos Niels Arden Oplev y 
Daniel Alfredson sabían que no es la manera de llevar un libro a cine y logran una trilogía bastante bien estructurada donde capturan la esencia del libro y de sus personajes gracias a sus actores. Sin embargo siempre sentí, sobretodo los últimos dos, fuera de ritmo. La historia se enredaba fácilmente y dejaba cosas sin conectar, había momentos donde faltaba un claro empuje de presupuesto para que la acción prometida en el libro se cumpliera. Es por ello que cuando David Fincher decide hacer el remake hollywoodense uno no puede más que emocionarse. No sólo podía darle el "punch" que le faltaban a las secuencias sino que le daría al thriller el ritmo y coherencia que necesitaba. Y bueno, no decepciona.

Desde los créditos iniciales pareciera que nos sumergen a una nueva película de James Bond, en el buen sentido. En el sentido 
Daniel Craig. La animación es impresionante, la música es hipnótica y el significado es poderoso. De este modo la cinta comienza rápidamente y eficazmente con las introducciones. Mikael Blomkvist es un periodista que enfrenta un juicio por difamación, mientras Lisbeth Salander es una chica (
dark/punk/bisexual/hacker) en tutela de estado cuyo guardián sufre una apoplejía complicando su vida. Ambas tramas se juntaran en una historia donde tendrán que capturar a un asesino de mujeres. ¿Cómo llegan a este punto? Con una increíble edición de paralelos donde la trama avanza con fluidez a pesar de los datos, de los lugares y del, por momentos excesivo, número de personajes. Culpa del libro, no del director. Si bien los protagonistas no se llegan a encontrar hasta la mitad de la cinta pareciera que siempre están juntos, en mente y actitud. Esto se debe en muchos aspectos a la excelente actuación de Rooney Mara y de Daniel Craig que se roban la cinta a base de miradas donde la venganza, inteligencia y ternura resalta a cada instante. 

Asi mismo los acompaña la excelente música de 
Trent Reznor y
Atticus Ross donde, al contrario del terrible Daft Punk en Tron Legacy (reseña por acá), acompaña a los personajes como un fondo perfecto donde se mezcla la acción y las sensaciones. La dirección de arte busca un tono minimalista, seco y blanco en todos los edificios que complementa la fotografía de Jeff Cronenweth denotando la obscuridad inminente en la trama con tonos grises y frios. Y bueno, ya he hablado de la edición que a pesar de dos cortes bastante dudosos (si dejenme en paz, me quiero quejar porque tengo envidia) es perfecta. Probablemente eso era lo que le faltó a las suecas, una buena edición que le diera flujo natural a la narración y, claro, el genio de Fincher para hacer thrillers.

Si les parece predecible o común (lo cual dudo mucho) no culpen al guión, vayan contra el libro. Fincher y su guionista hicieron lo imposible para hacer de este filme un thriller de acción, intriga y hasta un poco de amor (generalmente a sus personajes) algo sorprendente considerando de donde viene. Si, ya se dieron cuenta, son un hater del libro. Pero soy fan de esta cinta. Y les digo que, a pesar de tener uno o dos vacíos tanto por la sencilla trama del thriller (complicada hasta que se resuelve facilmente) es una gran película que regresa a los momentos más magistrales de un Fincher más maduro como director de género. Esperemos que acepte, a pesar de sus creencias, a dirigir la segunda y tercera partes confirmadas por los actores y el estudio. Porque el verdadero resto esta en las siguientes películas, ahí si se retaría su ingenio como narrador y creador de género. 9/10