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18.1.13

Cartelera Comercial Lo Imposible

LO IMPOSIBLE
2012


Muy pocas películas me han sorprendido este año. Cuatro para ser exactos. Pero ninguna tanto como Lo Imposible. No es la mejor, sin embargo es una cinta que debe ser vista y apreciada tanto por el público comercial como por el cinéfilo.

Nos encontramos ante una historia de desastre. En el año 2004 un tsunami, el primero conocido a nivel mundial, arrasó con la costa de Indonesia dejando miles de muertos y perdida material incalculable. No sólo afectaría al país en cuestión sino también a muchos alrededor del mundo ya que, en esa época navideña, miles de turistas se encontraban disfrutando de las costas de ese paradisiaco lugar. Nadie se puede imaginar el dolor y la desesperación de miles de familias que quedaron destrozadas.

El cine ha buscado retratar estos desastres naturales de diversas formas. Ya sea directamente "basando en un hecho real" o indirectamente creando escenarios apocalípticos. En todos ellos la naturaleza nos recuerda su poder y nuestro pequeño papel en este mundo. 

La única escena que yo recuerdo de este evento es en la película Hereafter (Eastwood, 2008) donde una de las subtramas se encuentra en Indonesia y es arrastrada por el tsunami. Ya fuera por los numerosos efectos especiales o por la historia en general que sólo sucede en unos minutos no fue un momento demasiado impresionante, para mi. Demasiado cursi y sin que fuera ella la protagonista principal de la película, la secuencia es recordada sin ser por ello emocionante. En Lo Imposible pasa completamente lo contrario.

El director Juan Antonio Bayona decide contruir una historia fuera de los cliches y de las convenciones crusis sin olvidar la raíz del encuentro y búsqueda. La cinta comienza como unos primeros 10 minutos de increíble suspenso. No sabemos que va a pasar, pero pareciera ser que el ambiente es de constante peligro gracias a un magnífico uso del diseño sonoro sin música y una edición que presenta a los personajes sin resaltar su cualidades o problemas. Es como si el director no quisiera que simpaticemos con ellos hasta que realmente puedan mostrar quienes son. En el peligro es donde veremos su verdadero rostro. Todo esto termina en una tranquila escena en la piscina donde primero se va la electricidad dejando un silencio poco común donde sólo se escuchan los pájaros huyendo y un gigante que se avecina.

Impresionante no es una palabra que llene los primeros treinta minutos de esta película. El pasado y futuro de las personas (y sus familias) es destrozado por la fuerza del agua en unos segundos. El deseo de una madre por recuperar a su hijo, lo único que puede ver del pasado (Naomi Watts nominada al Oscar con un excelente trabajo actoral que parecíera no ser mucho pero es extenuante y admirable); y un presente incierto que se encuentra en las manos de una fuerza que nadie puede controlar.

Sin zapatos y con sus trajes de baño aun puestos los personajes presencian y viven la devastación con mucha esperanza, miedo, odio e indiferencia. El trailer no miente, en esta cinta van a llorar. No en momentos clichés o predecibles, sino van a sentir cuando los personajes pierden todo, caen al vacío, su espíritu se quiebra y luego vuelven a surgir. 

Ademas de todo este viaje emocional se puede apreciar la impecable producción y edición de la cinta. Rechazando utilizar agua digital el equipo construyó una alberca gigante donde se grabaron todas las secuencias (Por acá el video) haciendo que el realismo de la cinta sea impresionante. El ritmo y su organización ponen lo necesario para enfatizar el peligro, la fuerza del agua y la fragilidad del humano.

Una cinta que se tiene que ver en cine y se debe de sufrir/disfrutar por igual. 

8.5/10

19.11.12

CARTELERA COMERCIAL Skyfall (2 al 8 de Noviembre)

SKYFALL

2012

50 años desde que el primer Bond, James Bond apareció en la pantalla grande. 50 años desde que un género comenzó a definirse en base a frases, secuencias, mujeres, autos, trajes y música. 50 años desde que la evolución del cine de espias podía verse en una saga inglesa. Ian Fleming, creador del personaje en 1952, nunca pensó que su novela seguiría viva a través de diversos actores y una franquicia que, probablemente, salvó a MGM de la bancarrota.

Barry Nelson, Sean Connery, David Niven, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig han sido los hombres que han interpretado al espía con más clase de todo el cine. Su evolución ha pasado por todas las facetas: gracioso, serio, sarcástico o simplemente atractivo, James Bond sólo ha tenido dos intereses: mujeres y el arte de matar.

Sin embargo el tiempo ha pasado por esta saga y ver una película de hace años no es lo mismo que verla ahora. Si bien la trama no ha cambiado (Villanos, Misión, Bond, Salvar al Mundo, Mundo Salvado) la narrativa y la estructura se han transformado poco a poco dejando un legado sobre el cine y su evolución.

En el 2002 Pierce Brosnan conluyó su etapa Bond con Otro Día Para Morir. Mal recibida por la crítica y por los fans, los productores no sabían que seguía para el famoso espía. Sin embargo, ese mismo año, salió a la pantalla grande la primera parte de lo que se convertiría en la trilogía más admirada del cine de espías: The Bourne Identity (2002). La saga Bourne con Matt Damon en el rol de un soldado letal con amnesia redefiniría no sólo la manera de abordar al personaje "espia" sino el manejo de cámaras y la edición. 

Fue asi como los productores decidieron comenzar una nueva etapa reclutando a Daniel Craig como el nuevo 007 y a un viejo conocido como director: Martin Campbell (Goldeneye 1995). Con un Bond con miedo y enamorado pero no por ello menos temerario y letal, Casino Royal (2006) fue un nuevo patrón. La fotografía y la edición fueron más dinámicas; mientras que los autos y los gadgets estuvieron más discretos. El agente 007 podía sufrir, lastimarse y ensuciarse; al final de cuentas, ser más humano. Con el corazón roto, Bond regresaría para Quantum Of Solance (2008). 

Si bien los críticos dudaban que Craig estuviera a la altura del reto, ya para el 2008 se le pondría como el mejor Bond de los últimos años. Craig, quien como actor comenzaría a destacar teniendo hasta tres películas en cartelera al mismo tiempo, no sólo llenaba el puesto con su galantería y penetrante mirada sino también hacia sus propias secuencias de acción. No dobles para el nuevo Bond, lo cual le costaría varias heridas al actor pero no le quitaría la satisfación como actor.

Ahora, ya con la confianza (o no) de un dividido público y crítica, Skyfall (tercera parte de la nueva saga) se apunta como la mayor película de James Bond, al menos en taquilla. Con un villano psicópata (Javier Bardem nada despreciable en su papel) y con M (Judi Dench como siempre perfecta) en peligro Bond, James Bond muestra sus habilidades en una película plagada de referencias a los filmes que la hicieron la gran saga que es y concluye como un hermoso homenaje para un personaje de esta última década. 

Con la dirección de Sam Mendes y la hermosa fotografía de contrastes absolutos de Roger Deakins Skyfall tiene grandes momentos de acción, tensión y un pequeño vistazo al pasado del agente. En lo personal me encanta la nueva cara de este mítico personaje asi como la nueva sobriedad de las películas que dejan un poco atrás la ciencia ficción acercándose más al drama. Tal vez no sea la película de espias pero nadie puede sentirse desapegado de ella. Por ello puedo decir que, en su elemento, Skyfall es una de las mejores películas de la saga, o al menos de las que más he disfrutado y admirado.  


28.10.12

CARTELERA COMERCIAL Looper y The Perks Of Being a Wallflower (26 Octubre a 1 Noviembre)

LOOPER

El Asesino del Futuro (2012)




La verdad yo no sabía que esperar de Looper. Sabía que tenía viajes en el tiempo y que Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt tenían las actuaciones estelares; digo, hasta palomitas iba a llevar a la sala. Sin embargo a la mitad de la cinta tuve que terminar con mi humor Back To The Future y empezar con algo más Blade Runner; aún así fue muy difícil digerir la cinta. Y es que Looper, como buena cinta postapocalíptica de ciencia ficción, tiene más capas que explorar de lo que se aprecia a simple vista.

Del director primerizo Rian Johnson comienza una historia donde en el año 2074 deshacerse de un cuerpo es casi imposible, por lo que la mafia manda los cuerpos treinta años atrás para que asesinos a sueldo eliminen y desechen a sus objetivos; a estos asesinos se les llaman loopers.

Esta trama puede verse y entenderse claramente en el trailer y primeros minutos de la película gracias a la voz en off de Joe (Joseph Gordon-Levitt), un looper que disfruta de la vida hasta que se cierre su ciclo (tenga q matarse a si mismo del futuro). Sin embargo su yo del futuro tendrá otros planes.

Más allá de la trama donde Joe persigue a su yo futuro para saldar cuentas tenemos una historia donde el pasado, el presente y el futuro es definido por nuestras experiencias y decisiones que cambian nuestra forma de ver el mundo. Una sordida reflexión sobre lo que creemos correcto sobre nosotros mismos y lo que somos capaces de hacer para salvar al yo creado por la vida que decidimos elegir.

Asi que más que divertir al espectador esta cinta jugará con tu cabeza y la pondrá en lugares incómodos para que puedas reflexionar. En general pude sacar dos conclusiones: o la profundizas y analisas viendola una segunda vez (lo que haré en un futuro) o te ríes con los demás espectadores que no sabían que estaba sucediendo. Decisiones y decisiones que pueden cambiar el futuro y por ello, nuestra misma persona.

8.5/10


THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER

Las Ventajas de Ser Invisible (2012)




16 años. Época de transición y cambios; de ser rechazado y aceptado; de sentir que el mundo te pertenece y que, al mismo tiempo, te rechaza. A este tema el cine ha tenido diversos acercamientos. Tenemos a un Harmony Korine que mostraba la parte destructiva en Kids (1995)  o un acercamiento más poético pero igualmente caótico como en The Dreamers (2003) de Bernardo Bertolucci. Sin embargo, en una época donde la destrucción es más psicológica y lo poético surge de la nostalgia, el director Stephen Chbosky  nos tiene una opinión más liviana, íntima y sonorizada con clásicos de cuando el mundo de hace tizas en nuestra cabeza.

Charlie acaba de salir del hospital por circunstancias que desconocemos, en una carta expresa el temor que tiene al ingresar nuevamente a la escuela en su etapa preparatoria, vivimos con el en su soledad e inseguridad hasta que decide asociarse con un par de alumnos que están apunto de partir a la universidad. Secretos, relaciones, amor, odio, amistad, miedo, intolerancia y sentido de pertenencia son lo que este nuevo grupo mostrará a Charlie, en pocas palabras le entregarán el mundo.

Con una fotografía subjetiva que a veces peca de buscar ser "inspiracional", un soundtrack que va desde Bowie hasta The Rocky Horror Picture Show; y decenas de referencias literarias, The Perks... es una cinta hermosa que evade ser curda pero no teme ser emocional. Un recuento por la adolescencia de todo estudiante "diferente" que busca su lugar en el mundo. Tal vez suene muy cursi pero así es el filme. Afortunadamente tiene el exacto nivel de todo lo mencionado para no molestar al espectador. Al final es una hermosa historia con un buen mensaje que no cae (mucho) en los clichés y que vale la pena ver. 

8/10

10.10.12

CARTELERA COMERCIAL (5 al 11 de Octubre) Los Últimos Cristeros

LOS ÚLTIMOS CRISTEROS
(2011)



El cine mexicano se ha caracterizado por ignorar grandes eventos sociales y políticos del último siglo. Ya sea por falta de financiamiento, guiones o espíritu inovador nos gusta quedarnos con las viejas, pero siempre funcionales, tramas "chico conoce a chica". 

Sin embargo estamos frente a una nueva ola que, si bien puede ser convencional (Cristiada 2012), esta buscando nuevos temas olvidados de la historia de nuestro país. Si continuamos así probablemente alguien le atine y pueda expresar lo que alguna vez se vivió en nuestras tierras, justo como Los Últimos Cristeros es capaz de mostrar. 



Uno de estos eventos olvidados de nuestra historia es la guerra cristera que comenzó cuando el estado le quitó derechos políticos a la iglesia dejándola sólo como una institución religiosa. Sin embargo el punto de quiebre fue cuando el presidente Plutarco Elías Calles decidió cerrar de forma definitiva los centros religiosos y expulsar a los sacerdotes del país. En ese momento comenzó una guerra civil donde los creyentes defenderían con palos y machetes su libertad religiosa. Fue un periodo sangriento de nuestra historia que terminó en papeleo burocrático y tratos entre las altas esferas sociales. Al final la misma iglesia comenzó a perseguir a los cristeros por romper la paz social y los engañaba para, una vez en su poder, fusilarlos. 

Es en este periodo cuando comienza la película. Hombres perdidos, huyendo de un enemigo invisible, atravesando interminables sierras y siempre en peligro; solos con su fe alejados de su familia. Mientras el clima los azota, la soledad crece y Dios se aleja más de ellos. 




Los Últimos Cristeros dirigida por Matías Meyer, hijo del famoso historiador Jean Meyer, es un hermoso relato que habla sobre la redención, la fe y la lucha. Basada en Rescoldo, Los Últimos Cristeros de Antonio Estrada y en las investigaciones de su padre, Matias Meyer busca un retrato sencillo pero poderoso mientras contempla la naturaleza y en el rostro de sus actores.

El filme lleva su propio ritmo mientras acompañamos a los personajes en su travesía. Con un uso mínimo de palabras vemos las acciones de los personajes, su lucha interna y su hermandad dentro de un ambiente sorprendentemente agresivo. El uso del cine es exquisito cuando se trata de paisajes o negros profundos. Asi mismo los personajes son interpretados por gente local; no necesitan decir mucho, su cuerpo, rostro y expresiones son más que suficientes. 

Los Últimos Cristeros no excede la hora y media de duración sin embargo por el ritmo es probable que se sienta un poco más. Pero esto no quiere decir que la cinta sea mala o lenta, cada escena tiene su razón de ser y nos dice muchas cosas sobre la lucha de los personajes. Simplemente ese es el ritmo que eligió el director y, al final, fue el mejor para retratar un periodo de soledad y desesperanza. Con una hermosa fotografía basada en imagenes tomadas en esa época y grandes momentos humanos, Los Últimos Cristeros es una de las mejores opciones alternativas del cine comercial. Y además es cine mexicano que debemos apoyar. 

30.3.12

CARTELERA COMERCIAL (23 al 29 de Marzo) THE HUNGER GAMES

THE HUNGER GAMES
(Los Juegos de Hambre 2012)



Cuando comenzó la campaña viral por internet muchos comenzaron a poner etiquetas. "La nueva twilight" y "la saga que remplazará a Harry Potter" fueron las más escuchadas por un estudio que, en un principio, no parecía apostar mucho por su nuevo blockbuster. Sin embargo, gracias a un gran marketing y con una ayudadita de los lectores de la trilogía bestseller del mismo nombre, Los Juegos del Hambre comenzaron a llamar la atención en los medios y público adolescente. De hecho, si me acerque al libro fue más que nada por el críptico teaser y la campaña viral. 

Sobre la trilogía en literatura no hay mucho que decir. Fáciles de leer, una trama sencilla y con el tamaño correcto para no intimidar a ningún lector del mundo potteriano o de los vampiritos que brillan. Sin embargo si destacan por la creación de un universo completo y complejo, asi como la descripción correcta de los escenarios y emociones de nuestra heroína: Katniss Everdeen. Lamentablemente la autora se vuelve floja y deja morir sus libros lentamente hasta llegar a un final explicado con cientos de hoyos negros que esta muy lejos de ser épico.

Lo único curioso era que, mientras leía ese decepcionante final, lo único que podía pensar era que la adaptación al cine podría rebasar enormemente la literatura mediocre, ya que todo quedaba en la imaginación del lector. Y, despues de ver la manufactura de la cinta y las inminentes secuelas ya confirmadas por la cantidad de dinero recaudado, estoy casi segura que los libros quedarán en el olvido. 

Si algo se le puede agradecer a Los Juegos del Hambre es la fiel adaptación, letra por letra. Excepto algunos pequeños detalles que ayudan al ritmo cinematográfico, casi nada es modificado de la lectura original. El resultado es una película que tarda en llegar al "climax" de la batalla pero que explora perfectamente una estructura bien construida y pensada. 

Con la ayuda de una edición y una fotografía estilo documental/batalla la cinta se mantiene fiel al género al que pertenece: una distopia futurista donde la revolución es inevitable cuando un nuevo símbolo surge. Ahora, tampoco se emocionen que como toda revolución esto comienza poco a poco, en esta cinta es el preludio con todo e historia de "trío amoroso" para engañar al público adolescente. Eso y las batallas editadas al caos total donde sólo ves sangre, cuerpo, cuerpo, sangre, muerto en menos de 5 segundos, son los únicos peros que le pongo a la cinta. 

Con una música instrumental (otro punto extra de la cinta, nada de música pop) discreta pero contundente que apuesta más por los silencios y ambientes, la película tiene miles de detalles perfectos que complacerán a los lectores y, a los no lectores, les hará meditar. El arte, un poco a la Brazil de Terry Gillam, queda perfecto con sus colores chillones y vestuarios estrafalarios para poner el contexto la situación.  Con la magnifica actuación de Jennifer Lawrence y personajes secundarios como Stanley TucciElizabeth Banks y Woody Harrelson que dan un toque especial a la cinta, The Hunger Games es el primer blockbuster "indie" que marca el comienzo de, lo que se espera, sea un gran verano de estrenos blockbuster épicos. Y pues la verdad, no empezamos nada mal. 8/10

21.2.12

Camino al Oscar Nominadas 2012

Camino al Oscar 2012

Lamentablemente por carga de la universidad no he podido reseñar todo lo que he visto en este último mes. Sin embargo el próximo fin de semana es el evento más esperado del año. Tal vez no sea por su relevancia o su acierto al elegir películas y premiar actores (como la ignorada Tilda Swinton impresionante en la cinta Tenemos Que Hablar De Kevin reseña por acá), o porque sea una gala particularmente bien organizada o porque el evento tenga los mejores chistes (Aunque Bill Crystal promete mucho este año), simplemente son una gran referencia de las películas que deberíamos poner al principio de nuestras listas junto con las de los otros festivales. Un último punto importante es que gracias a estas nominaciones las distribuidoras se molestaron en traer a todas las nominadas (al menos las nueve a Mejor Película) este mes y no el siguiente año. Además de que siempre es más divertido seguir el evento en el TL mientras se ve la televisión. En fin. Por esta y muchas razones más por acá las reseñas de las 9 nominadas a mejor cinta sin un orden en particular ya que este año no tengo ninguna favorita, no porque sean todas increíbles sino que ninguna me termina de convencer. 

EL ARTISTA (2011) 


Un homenaje al cine silente, no cine silente per se. Con una trama sencilla pero mejor utilizada en otros filmes (ejem ejem Cantando bajo la lluvia 1952) esta cinta ronda el dilema del actor en transición del cine mudo al sonoro y como este abandona al rehusarse a escuchar su propia voz. Con los mejores elementos del cine mudo a su disposición, el filme logra transmitir cierta nostalgia a base del humor y drama en las agradables y dinámicas actuaciones de Jean Dujardin Bérénice Bejo. Con momentos bastante hermosos como la escena onírica donde escuchamos y el incendio "la cinta 35mm no se quema en 3 segundos" la cinta podría ser la ganadora del Oscar este año. Sin embargo preferiría que su legado fuera que la gente realmente rescate filmes de Buster Keaton, Chaplin, Dreyer o cualquier película silente para ver una verdadera puesta en escena e historia. Con un final flojo que no resuelve muy bien, la cinta pasa como una de las mejorcitas de las nueve nominadas pero no termina por emocionar. 

Tiene 10 Nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía, Edición y Guión.

LOS DESCENDIENTES (2011) 


Me cuentan mis compañeros twitteros que no es la mejor obra del director Alexander Payne, sin embargo no tuve la oportunidad de ver la ganadora del Oscar a Mejor Guión Entre copas, asi que en este aspecto no juzgaré. La cinta comienza con un padre cuya esposa esta en un coma, por ello él tendrá que ocuparse de las hijas y de uno que otro secreto familiar. Con una narrativa sencilla y una edición con un ritmo pausado pero acertado Los Descendientes busca la empatía del espectador al familiarizarlo con una familia disfuncional que se construye poco a poco. Si, este es el guión de clichés pero contado con simplicidad y unas actuaciones bastante acertadas. Es más, ya deberían de darle su Oscar a George Clooney, se lo merece desde Up In The Air. Una cinta bien contada que no cae en la redundancia. Una de mis predilectas a ganar.

Tiene 5 nominaciones incluyendo Mejor Película, Dirección, Edición, Guión y Actor.

EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLE CLOSE (2011)


Dicen que es la colada. La reseña este fin de semana cuando sea su estreno en Carteleras Comerciales.

Tiene 2 nominaciones incluyendo Mejor Película y Actor de Reparto.

THE HELP (2011)
Historias Cruzadas


Como escribí hace dos meses por acá esta cinta se tenía que ver antes de que fuera glorificada por sus nominaciones y los grupos anti racismo, etc. Porque si, es una cinta bonita, pero no es la mejor hecha ni la que más conmueve. Las actuaciones de Viola DavisJessica Chastain Octavia Spencer están bien pero tampoco nos emocionemos, no vayamos a sobreactuar como con Precious. La fotografía y la edición esta bien. El guión, bah. Ya sabemos que era lo políticamente correcto y pues, así es la cinta: una lagrimita para el público, nada más. 

Tiene 4 nominaciones incluyendo Mejor Película, Actriz y dos Actrices de Reparto.

HUGO (2011)


La cinta con más nominaciones al Oscar y la más conmovedora, al menos para los cinéfilos de hueso colorado. Aquí la historia es un pretexto: un niño huérfano tratando de descubrir un mensaje que, esta convencido, le dejó su padre en un títere mecánico (?) Olvidense de eso, el verdadero asunto es encontrar el amor al cine y al arte de hacer los sueños realidad; una meta, al parecer, olvidada por los realizadores y siento que, el director Martin Scorseselo olvida por momentos. 
Muchos dicen que si no vieron esta película en 3D es como si no existiera, ya que es un parteaguas después de Avatar. Yo no puedo afirmar o negar este hecho ya que, gracias a las distribuidoras y a mi limitado tiempo/presupuesto, no pude gozar el 3D en su idioma original (peor herejía sería ver esta cinta en español). Sin embargo acepto que, en la excelente calidad que pude conseguirla, si llegue a apreciar su cuidado en la fotografía y especialmente el hermoso juego de imágenes y música en la edición. Hugo , grabada con la última tecnología en cine digital, es un perfecto homenaje a la pasión de una vida y a la miseria de lo que sería vivir sin eso; es una cinta que habla sobre sueños, anhelos y esperanzas de manera hermosa y a veces poética. Sin embargo hay personajes que no se aprovechan o podrían no estar ahi (la pareja de enamorados), momentos que no ayudan a la historia (mucho drama padre/hijo para que no termine en algo) y finalmente poco de lo que realmente importa (una luna y un viaje). A pesar del guión flojo y si la academia fuera justa, yo creo que esta cinta podría ser la ganadora. En la tierra de los ciegos, el que sueña es el ganador. 

Tiene 11 nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía, Edición, Guión y Música.

MEDIANOCHE EN PARIS (2011)


Woody Allen y su imaginario. Mi reseña por acá.

Tiene 4 nominaciones incluyendo Mejor Película, Dirección, Arte y Guión.

MONEYBALL (2011)
El Juego de la Fortuna


Para ser honesta ya no recuerdo mucho de esta cinta. Recuerdo que el guión era bastante exacto, inteligente y divertido, hecho por Aaron Sorkin obviamente; las actuaciones eran adecuadas con Brad Pitt Jonah Hill como la pareja principal; y había una muy bien lograda edición por Christopher Tellefsen. A pesar de no ser el beisball uno de mis deportes fue interesante tener una nueva mirada con alguien tan frió y calculador como el protagonista de la cinta. Emociona por momentos y pone al espectador en tensión. Una de las cintas mejor logradas pero que no compiten seriamente, ¿o si?

Tiene 6 nominaciones incluyendo Mejor Película, Guión, Edición y Actores.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011)


Yo creo que si el mundo fuera justo, y le recortara media hora a su película, esta debería ganar a Mejor Película. Y claro, Emmanuel Lubezki  para Mejor Fotografía, ya la merece. Por acá mi reseña completa.

Tiene 3 nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía y Dirección.

CABALLO DE GUERRA (2011)


Hay algo que por acá me gusta llamar la "Lágrima Spielbergeana". Es un arte que no muchos han alcanzado pero que el director Steven Spielberg ha dominado en todos los sentidos. El truco no es sencillo pero cuando se logra, no hay alma en el cine que sea inmune a su poder, al menos que ya te sepas la receta. Primero crea una relación imposible pero que pueda superar todas las adversidades (chico más caballo); luego haz que pasen por todos los horrores del mundo cruel, separados y extrañandose (guerra); crea escenas emotivas donde se muestre el espíritu puro de los susodichos; y reúnelos cuando la esperanza sea lejana e imposible. Pues ya, esa es la vacuna. Podrán ver un drama con una hermosa fotografia (al estilo Lo Que El Viento Se Llevó) y una edición conmovedora que sacará lágrimas de cualquier persona (por más macho que sea) excepto en ustedes. Así que, mientras el cine llora, ustedes verán un DRAMA, con personajes que hablan el mismo idioma pero diferentes acentos (Gringos que odian subtítulos y arruinan la diversidad del lenguaje), algunas situaciones que rayan en lo ridículo, alguna que otra escena interesante (dentro de la zona neutra de dos trincheras enemigas) y un final con todo y su rojo atardecer. En fin, es Spielberg. 

Tiene 6 nominaciones incluyendo Mejor Película, Fotografía, Música y Sonido.


21.1.12

CARTELERA COMERCIAL (20 al 26 de enero) La Chica Del Dragón Tatuado

THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO
La Chica del Dragón Tatuado (2011)




Para comenzar tengo dos subjetividades con esta película: una se llama Rooney Mara y otra Lisbeth Salander. Claro, una es la actriz y la otra es el personaje que interpreta la actriz pero cuando se trata de heroinas patea traseros con gran inteligencia y con una personalidad tan singular, bueno, uno se derrite. Supongo que otra subjetividad sería el director David Fincher y la música hecha por Trent Reznor y 
Atticus Ross que desde Red social (por acá la reseña) mostraron su valía. Asi que con estas bases empiezo mi reseña.

Para quienes sean fans de los libros y de las películas suecas puedo decirles que si, ya leí/ví las tres partes. Respecto a los libros puedo decir que el primero me aburrió mucho. Una larga e innecesaria introducción que realmente no aporta nada a lo que serán los siguientes capítulos. De hecho si no me convencen no leo los siguientes. Sin embargo el segundo y tercer libro son dos tomos de información, sensaciones, personalidades, personajes, acciones, conspiraciones, teorías, corrupción, odio y amor. Todo estos personificado en la única Lisbeth Salander. Por momentos tiene uno que bajar el libro y tomar un respiro, sólo para seguir y seguir. En lo que más destacan es en la descripción de diversas lineas de pensamiento de hasta tres personajes al mismo tiempo, todos con su carácter y sus propios motivos. En definitiva uno de los mejores thrillers que leí el año pasado.

Llevar todo esto a una cinta es muy complicado. Un director poco diestro sólo hubiera recurrido a la facilona voz en off con muchos flashbacks, o algo asi. Sin embargo los directores suecos Niels Arden Oplev y 
Daniel Alfredson sabían que no es la manera de llevar un libro a cine y logran una trilogía bastante bien estructurada donde capturan la esencia del libro y de sus personajes gracias a sus actores. Sin embargo siempre sentí, sobretodo los últimos dos, fuera de ritmo. La historia se enredaba fácilmente y dejaba cosas sin conectar, había momentos donde faltaba un claro empuje de presupuesto para que la acción prometida en el libro se cumpliera. Es por ello que cuando David Fincher decide hacer el remake hollywoodense uno no puede más que emocionarse. No sólo podía darle el "punch" que le faltaban a las secuencias sino que le daría al thriller el ritmo y coherencia que necesitaba. Y bueno, no decepciona.

Desde los créditos iniciales pareciera que nos sumergen a una nueva película de James Bond, en el buen sentido. En el sentido 
Daniel Craig. La animación es impresionante, la música es hipnótica y el significado es poderoso. De este modo la cinta comienza rápidamente y eficazmente con las introducciones. Mikael Blomkvist es un periodista que enfrenta un juicio por difamación, mientras Lisbeth Salander es una chica (
dark/punk/bisexual/hacker) en tutela de estado cuyo guardián sufre una apoplejía complicando su vida. Ambas tramas se juntaran en una historia donde tendrán que capturar a un asesino de mujeres. ¿Cómo llegan a este punto? Con una increíble edición de paralelos donde la trama avanza con fluidez a pesar de los datos, de los lugares y del, por momentos excesivo, número de personajes. Culpa del libro, no del director. Si bien los protagonistas no se llegan a encontrar hasta la mitad de la cinta pareciera que siempre están juntos, en mente y actitud. Esto se debe en muchos aspectos a la excelente actuación de Rooney Mara y de Daniel Craig que se roban la cinta a base de miradas donde la venganza, inteligencia y ternura resalta a cada instante. 

Asi mismo los acompaña la excelente música de 
Trent Reznor y
Atticus Ross donde, al contrario del terrible Daft Punk en Tron Legacy (reseña por acá), acompaña a los personajes como un fondo perfecto donde se mezcla la acción y las sensaciones. La dirección de arte busca un tono minimalista, seco y blanco en todos los edificios que complementa la fotografía de Jeff Cronenweth denotando la obscuridad inminente en la trama con tonos grises y frios. Y bueno, ya he hablado de la edición que a pesar de dos cortes bastante dudosos (si dejenme en paz, me quiero quejar porque tengo envidia) es perfecta. Probablemente eso era lo que le faltó a las suecas, una buena edición que le diera flujo natural a la narración y, claro, el genio de Fincher para hacer thrillers.

Si les parece predecible o común (lo cual dudo mucho) no culpen al guión, vayan contra el libro. Fincher y su guionista hicieron lo imposible para hacer de este filme un thriller de acción, intriga y hasta un poco de amor (generalmente a sus personajes) algo sorprendente considerando de donde viene. Si, ya se dieron cuenta, son un hater del libro. Pero soy fan de esta cinta. Y les digo que, a pesar de tener uno o dos vacíos tanto por la sencilla trama del thriller (complicada hasta que se resuelve facilmente) es una gran película que regresa a los momentos más magistrales de un Fincher más maduro como director de género. Esperemos que acepte, a pesar de sus creencias, a dirigir la segunda y tercera partes confirmadas por los actores y el estudio. Porque el verdadero resto esta en las siguientes películas, ahí si se retaría su ingenio como narrador y creador de género. 9/10

20.1.12

CARTELERA COMERCIAL (20 al 26 de Enero) Tenemos que hablar de Kevin

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN
Tenemos que hablar de Kevin (2011)


Tenemos que hablar de Kevin como el mejor anticonceptivo del año. No ya en serio. Sólo de pensar de que alguien así pueda resultar del "milagro de dar vida" es terrorífico. Y es que esta cinta trata sobre un tema que, espero por el bien del cine, se haga mucho más controversial conforme pase el tiempo: la maternidad.

Hace poco discutía con un profesor de preparatoria acerca de un corto donde las personas eran felices. Eran felices porque no existe otra opción, no existe la decisión, el cambio de ser pleno. Lo mismo pasa con la maternidad y la familia. ¿Porqué la mujer tiene que amar a sus hijos? ¿Porqué no puede gozar de indecisión, miedo y odio mezclado con un poco de amor? Es por ello que Eva (excelente Tilda Swinton) se culpa constantemente y se pregunta porqué no puede amar a su hijo como todos los demás. Esa es sólo una parte de la trama. 

Si lo reflexionamos seriamente, en el cine son muy pocas cintas donde vemos a las madres de todos esos humanos que van con las mentes perturbadas. Suponemos que los maltrataron y odiaron, pero la simple verdad puede llegar a ser más desalentadora. En cintas como Elephant Bowling for Columbine se han analizado otros lados de los asesinos adolescentes que cierran escuelas para matar a todos sus compañeros. Resulta que no es la música diabólica o tal vez si son los videojuegos, pero definitivamente pensamos que tiene que ser la familia. 

Con la impresionante actuación de Tilda Swinton y el excelente reparto que conforma a Kevin (Ezra MillerJasper NewellRock Duer) este filme goza de un ritmo particular y alarmante. Por mi misma diría que la trama es lenta y que podría no ser para muchos, pero pude asistir a una sala casi llena donde nadie salió de la sala y donde se oía continuamente la opinión del público. Entre gritos de alarma y de suspiros de comprensión se comprobaba que el ritmo pareciera ser de un gran thriller. Eso si, nadie sale muy contento. No se puede con una trama tan sórdida. 

A pesar de ser una gran cinta en el aspecto fotográfico, de narración, actuaciones y edición, a Tenemos que Hablar de Kevin le falta algo. Probablemente es que esta basado en un libro donde el sistema de narración es muy diferente. O tal vez sean ciertos planos o personajes que, si bien explotan el momento, tienden a no aportar mucho. No por ello pierde valor. Sigue siendo una gran cinta con un mensaje cursi como lo es el amor de una madre pero difícil de asimilar. 9/10


13.1.12

ESPEJO DE FICCIÓN II J. Edgar y Jurassic Park

ESPEJO DE FICCIÓN II 




CARTELERA COMERCIAL

J. EDGAR (2011) Del actor veterano responsable de cintas clásicas y director de filmes aclamados por el público Clint Eastwood nos llega una biopic del controversial director y creador de la FBI: J. Edgar Hoover. Con la actuación del consolidado Leonardo DiCaprio y el reciente Josh Hamilton esta cinta nos habla sobre la represión, el poder, el control y, sobretodo, el amor. Si, suena muy cursi pero todo lo último de Eastwood asi es. Tiene matices, caras y capas que no son fáciles de ver y mucho menos de superar. No sé que tan históricamente correcta sea la cinta pero puedo asegurar que al menos el contexto social y político de la cinta explica perfectamente porque necesitaban a alguien tan extermista y, en ocasiones, racista como Edgar Hoover arriba de la jerarquía política. El personaje representa el poder detrás del poder y por ello disfruta los secretos de los demás manipulando a los más débiles que en sociedad pudieran ser los poderosos. A pesar del pobre maquillaje de envejecimiento, esta cinta probablemente le aseguré el Oscar a DiCaprio quien muestra todas las facetas de Hoover logrando que, tal vez no simpaticemos con el personaje, pero que lo entendamos a pesar de ser manipulador y cruel la mayor parte del tiempo. Y es que esa escena del espejo que junta el control, dolor, sentimiento y el fin del amor es definitivamente uno de los mejores momentos de debilidad que alguien pueda mostrar en pantalla. 8/10

CINE BLURAY

JURASSIC PARK (1993) Una clásica del cine spielbergiano que regresa en la mejor calidad posible. Ya sea por el implecable ritmo de acción donde el malo se transforma en idiota y los verdaderos malos resultan estar extintos, Jurassic Park siempre será recordado por inumberables secuencias perfectamente orquestadas y la impactante música de John Williams. Pero también por su gran edición donde la primera mitad es la crítica y la duda, mientras que en la segunda parte sólo quieren salir de ahí vivos. Para mi siempre será LA cinta de mi infancia. El BluRay vale mucho la pena ya que no modifican a los dinosaurios a digital, sólo retocan un poco el color y la luz pero siguen siendo las maravillosas maquetas que conocemos. La música y el sonido también son otras características por la que vale la pena gastar $150 en esta joya del cine hollywoodense. 

6.1.12

ESPEJO DE FICCIÓN I Sherlock Holmes, Tin Tin, The Help y Ciudad de Dios

ESPEJO DE FICCIÓN I


CARTELERA COMERCIAL

SHERLOCK HOLMES: A GAME OF SHADOWS (2011) Una de las primeras sorpresas del año. Sin duda Guy Ritchie es uno de los directores que más exploran la acción con cámaras a mano, en dolly, en steady, cámara lenta, etc. Si bien la cinta resalta por las carismáticas actuaciones de Robert Downey Jr. Jude Law no podemos negarle el crédito al director y sus sorprendentes persecuciones. La película avanza perfectamente entre homenajes, gags, clichés, drama y mucho humor pero puedo decir que la escena en el bosque simplemente me dejó con la boca abierta. Una de las mejores cintas para comenzar el año. 8.5/10

LAS AVENTURAS DE TIN TIN (2011) Sinceramente cuando entré al cine no tenía ninguna expectativa de esta cinta. Tal vez una ocasional risa infantil con una sencilla trama. Supongo que eso me pasa por dudar de Steven Spielberg. Con una animación impecable y un manejo de cámaras extraordinario Tin Tin destaca por sus espectaculares escenas de acción y una trama que dista mucho de ser sencilla y sin complicaciones. Al estilo de deducción de Sherlock Holmes, con la audacia de Indiana Jones y el carisma de The Goonies, Tin Tin fue una de las últimas sorpresas que me dio el año pasado. El 3D se disfruta mucho en el cine pero no es indispensable. Ah, y como siempre, esta película no es lo mismo sin las voces de Jamie Bell Daniel Craig Nick Frost y Simon Pegg. No al doblaje en "películas infantiles". 8/10

CINE EN LINEA

THE HELP (2011) Cada año no puede faltar la típica película conmovedora donde alguien desafía el racismo irracional de la sociedad estadounidense. Y claro, también tiene que tener su lagrimita. Con una perfecta ambientación y una muy decentes actuaciones de Emma Stone y Viola Davis, The Help muestra una gran fotografía y una historia que avanza entre situaciones imposibles y la lágrima de la injusticia. Sin embargo se salva, por muy poco, de ser una cinta del montón. Digna de echarle un vistazo antes de que los Oscares la glorifiquen más de lo debido. 8/10

CINE EN DVD

LA CIUDAD DE DIOS (2002) Uno de los ejercicios cinematográficos más dinámicos que me gusta compartir con quien no la conozca. Se podría decir que la historia se centra en la vida de Cohete un chico que busca convertirse en fotógrafo profesional. Sin embargo es sobre "La Ciudad de Dios" un lugar donde viven los  que no tienen lugar donde vivir, donde la corrupción y la violencia crece al mismo tiempo que la ciudad. De aqui conocemos a diversos personajes que explican la evolución de este lugar. Lo mejor de esta cinta sin duda es la edición. No me sorprende que Daniel Rezende terminara editando Tree of Life (<- reseña) entre otras. Dinámica, contemporánea, divertida y una gran crítica social. Una cinta que se debe ver más de una vez.

23.10.11

Cartelera Comercial (21 al 27 de octubre) El Árbol de la Vida

THE TREE OF LIFE
El árbol de la vida (2011)



Tengo la teoría que lo que ahora llamamos adolescencia es simplemente una reacción expresada en voz alta sobre la decepción de la vida, el cambio de valores y la evaluación de los padres. Este proceso de maduración existía desde tiempo memoriales simplemente que ahora se hace más banal y algunas personas se saltan este proceso gracias a los videojuegos y tv. 

El cine ha tomado este crecimiento y lo ha expresado de diversas formas en tramas cambiantes, predecibles o contemplativas. El simbolismo y la significación dependen de la creación del director y su manera de intimar con el inconsciente colectivo o personal. Pero que no se dude, en un buen filme, el director dejará su alma, sus miedos, sus deseos, sus dudas, su odio y su amor en el tema que trata. Y, cuando el tema es la vida misma, hay miles de maneras de abordarlo. Terrence Malick decidió irse por una vena más polémica donde el cine comercial y el cine de "arte" a veces resultan irreconciliables. 

Con un reparto y productor multiestelar que incluye a Brad Pitt y Sean Penn, Malick  divide su filme en secciones de contemplación y reflexión en silencio con narrativa y diálogos profundos en voz en off donde se expresan los personajes siendo el principal Jack, hijo, hermano y empresario que recuerda su vida en una vieja casa en Texas. De ahí un vistazo de que existe narración en el filme, sin embargo, por ser pensamiento y reflexiones, todo puede suceder. 

A base de susurros o pequeños diálogos los personajes princiaples: Jack adulto y niño, la madre y el padre buscan la respuesta de esta montaña rusa que es la vida; la influencia de la familia en el ser, la pérdida, la muerte, la búsqueda, el odio a Dios y el reverso que es el amor a la vida; el universo, la tierra, los sueños y el paraíso; las enseñanzas, la maduración y el crecimiento; la decepción, el trabajo y el compromiso; el amor, la responsabilidad con el otro y la bondad. Temas abiertos o cerrados que dan la libertad al espectador de hacer una pausa y ver la evolución del cuerpo y del alma. 

Cabe resaltar la magnifica fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki que remarca de manera perfecta los colores, la luz, la obscuridad y resalta el misticismo y la grandeza del universo que Malick quiere lograr con su discurso. Sin embargo pareciera ser que lo único flojo de la cinta es la edición. Si bien la parte media donde se establece una narración más coherente y un ritmo más estable, el principio y el final pareciera ser glotonería de Malick con la imagen que tanto trabajo de costó tener. Por un momento me sentí en un documental del Papalote Museo del Niño, con todo y 3D. No es que la imagen no sea hermosa (es impresionante) sino que se aleja demasiado tiempo de la trama.

Con todo The Tree of Life es una cinta que merece el tiempo y la paciencia del espectador. Es un viaje interno de dos horas que hace una pausa en la vida rutinaria con hermosas imágenes y un discurso donde, la vida misma, es el protagonista principal. Muy pronto ya me leerán, en este mismo blog, comparando esta cinta con el perfecto documental Life in a Day, en la cual el discurso es muy similar aunque la estructura es muy diferente. Una hermosa fotografía y un ritmo poco usual para el espectador pero vale la pena la molestia. 

8.5/10

21.9.11

Cartelera Comercial (16 al 22 de Septiembre) Glee 3D

GLEE: The 3D Concert Movie
Glee: La película del concierto en 3D



Nunca he sido fan from hell de algo. Digo, tengo una ocasional obsesión con Harry Potter (ver por acá) y ciertamente tengo mis Guilty Pleasures (placeres culpables) con algunas series las cuales aprecio por su entusiasmo (ver Kdabra) o por su manera natural de llevar la farsa, por ejemplo, Glee. Como escribía en los post de la serie (ver por acá) los guionistas manejaban, en la primera temporada, un tipo de burla del estilo de vida banal y sin sentido que llevan los estadounidenses, con unos ocasionales números musicales. 

A pesar de ser covers, la música no era gratuita ni aleatoria; tenía un propósito, un contexto argumental y cierta originalidad; bueno, sabían escogerla. Los guionistas, asombrados del éxito internacional, no supieron que hacer con tanta fama y asi nació la segunda temporada. Un poco más de lo mismo pero con más números musicales (ahora sin contexto, na más porque si) y con una historia que cae un poco en lo irracional (personajes se aman y se odian sin razón alguna). Mientras, el departamento de mercadotecnia hacía su trabajo: explotar hasta la última gota el fenómeno Glee.

Lo acepto, ocasionalmente me podían encontrar cantando o bailando algunas canciones de Glee. Es más, algunas me agradan más que las originales para la desgracia de todos los que me rodean. No tengo los discos porque lo que me agrada es la escena completa, es decir, esta canción es porque tal personaje esta peleando con este otro por tal cosa. Hasta pensé en asistir al concierto (disfrazada para que nadie me reconociera). Gracias a Dios, salió la película antes. 

Glee en 3D es, en primer instancia, un retrato del fanatismo sin restricciones que poseen ciertos individuos marginados sociales sobre los personajes. Ahora, si esto fuera un documental sería un tremendo análisis de la cultura pop estadounidense. Como si alguien hubiera grabado a los fans de Rebelde en México utilizando el elemento burla y crítica que la serie utilizó en la primer temporada; obviamente no fue así. 

Intercalando el concierto con entrevistas a fans y tres "ejemplos de vida" el director Kevin Tancharoen (conocido por su horrible remake de Fama) retrata un testimonio de fe, un libro de autoayuda, un horóscopo de vida y una guía para la existencia. Chicos y chicas sin vida social, problemas psicológicos o con diferencias genéticas encuentran la "verdad de la vida" a través de Glee. Se inspiran para tener deseos de volver a vivir y salir a la sociedad como verdaderamente son: patéticos. Ya, lo dije. 

Lo siento pero no podía dejar de pensar: "¡Que demonios! ¡Nadie se enteró que la serie es una broma! ¡Un chiste bien contado! ¡Una crítica a todos ustedes y a su sistema de mediocridad!" No sé, tal vez fue mi impresión de la serie, pero siempre pensé eso. Ahora me llegan todos estos adolescentes y me dicen que les cambió la vida. Bah. 

Lo más triste fue ver a los "actores" interpretarse a si mismos en el backstage. No son rockstars porque su vida privada no esta expuesta, pero tampoco son actores porque sus personajes son rockstars. Entonces ¿qué son?. ¿Un pobre reflejo de si mismos oculto detrás de la historia de su personaje? ¿Qué adoran los fans, al actor o al personaje? 

Estas y muchas preguntas más pasaban por mi cabeza mientras veía el 3 (que gasten dinero extra los fans) D gratuito pero bien realizado; la pobre y aburrida escenografía del concierto con canciones regulares y la vida de los "iluminados" por el fenómeno Glee. Perdón, pero si ser gleek significa ser tan patético, yo no quiero ser parte de ello. Aún con mi Pottermore/FarmVille para geeks, todavía tengo algo de dignidad, creo.