25.9.10

CARTELERA COMERCIAL (24 al 30 de Septiembre) El Escritor Fantasma

THE GHOST WRITER
El Escritor Fantasma (2010)


Del sobrio director y ganador del Oscar Roman Polanski nos llega su más reciente película El Escritor Fantasma. La trama es sencilla: un reconocido y controversial primer ministro Británico quiere publicar su autobiografía. Para ello contrata a un escritor, que no recibirá crédito por ello, para que sea su fantasma y redacte por él. El escritor fantasma del cual nunca sabemos su nombre, se sumerge en este mundo de ambiciones donde nada es lo que parece metiéndonos en un thriller de suspenso increíble.

Si Polanski sabe hacer algo muy bien es llevar el ritmo de una película para que esta este llena de suspenso e intriga. Cada secuencia y toma duran lo exacto para que puedas sentir la tensión del personaje principal en un ambiente que no es suyo y donde esta en constante peligro. El arte y la elección de locaciones es exquisita: nos da una idea clara de la soledad y el encierro que vive, es más, hasta el clima conspira en su contra.

Con la actuación de un gran Ewan McGregor y la magnífica Olivia Williams los pequeños detalles nos revelan poco a poco las intenciones y conspiraciones de todos los que viven detrás de máscaras públicas para que descubramos al "humano" detrás. Sin mencionar nada del final, la última secuencia es simplemente soberbia.

Quien la vaya a ver tiene que ser paciente y adaptarse al ritmo de la cinta. Si, es un poco lenta pero créanme, saldrán recompensados. Una magnífica historia, realizada impecablemente, que recuerda a muchas de sus anteriores películas (Oliver Twist, El Pianista, El Bebé de Rosemary, etc). Si quieren ver una verdadera historia de suspenso, esta es su película.

CARTELERA COMERCIAL (24 al 30 de Septiembre) La Amante de Mussolini

LA AMANTE DE MUSSOLINI
Vincere (2009)


La película de director nos cuenta la trágica historia de la amante de mussolini Ida Dalser (maldigan los títulos explícitos). Sn embargo más allá de una historia de amor y venganza nos describe cuando una mujer lo da todo y recibe nada a cambio.

La narrativa se enfoca en Ida mientras que la personalidad, vida, obra y milagros de Mussolini quedan en segundo plano; de hecho, éste deja de salir a mediados de la cinta. Por ello recomiendo una rápida leida en wikipedia sobre la vida de este importante personaje histórico http://bit.ly/asGWCj Esto es porque, el tiempo que estén juntos, abra unas magníficas secuencias históricas que, con atractivas tipografías y un bombardeo de imágenes, nos mostrarán lo que pasa en el país mientras se desarrolla la historia. Así mismo el número de elipsis será enorme, por lo que tener una referencia espacio-temporal no le viene mal a nadie.

Con lo anterior, La Amante de Mussolini es una película que transcurre con un ritmo pausado donde su personaje principal esta en una montaña rusa de emociones y situaciones que la hacen afrontarse al hombre más poderoso de Italia. Todos los actores están bien caracterizados y avanzan muy bien en las situaciones. Mas, gracias a la magnífica actuación de Giovanna Mezzogiorno, el filme funciona y avanza perfectamente.

La fotografía es muy hermosa. Realza los momentos más importantes de una forma impecable. Las partes obscuras con mucho grano resaltan la relación escondida con Mussolini y en los hospitales los blancos son sombríos, no pronostican felicidad. El arte es muy sencillo y específico, muestra con sobriedad el ambiente seco y desalmado de la situación.

Esta no es una historia de amores perdidos y vueltos a encontrar. Es una cinta de obsesiones pasionales, deseo y olvido donde quien lo da todo no siempre es quien lo gana. Así mismo, superficialmente, nos hablan de la opresión política, el fanatismo y el miedo social; quien representa un peligro inminente para el gobierno, siempre es neutralizado.

La Amante de Mussolini es una interesante película muy bien realizada. Por el número de saltos en el tiempo se puede volver un poco lenta y, por momentos, cansada. Sin embargo es un interesante ejemplo de biografías de personajes olvidados o escondidos en la historia de las naciones.

19.9.10

CINE DVD Any Given Sunday

ANY GIVEN SUNDAY
1999



"That's a team gentlemen, and either, we heal as a team, or we will die as individuals. That's football guys, that's all it is. Now what are you gonna do?"

Lo siento chicas y chicos. Quien no entienda la intensidad, pasión o emoción de un deporte, no entiende nada en esta vida. Finalmente de eso se trata vivir; es acerca de la entrega, el morir por un equipo a pesar de los intereses políticos, el dinero, la fama y la ambición; entregarlo todo, sin dejar nada atrás.

Creo que no hay otra película que muestre la verdadera escencia de un partido de americano con absolutamente todo su contexto político y económico. Oliver Stone logra un melodrama que no roza en la cursilería como Remember the Titans, una de mis películas preferidas; ni se instala en la ambiciosa industria deportiva. Nos muestra a los humanos detrás de toda la parnafernalia, sus temores y sentimientos detrás de la pasión deportiva.

La cámara nunca se detiene, la edición hace cortes a diestra y siniestra, los personajes se exhaltan, girtan, hablan y rien sin restricción alguna; muestran su naturaleza en un remolino de emociones; una montaña rusa donde una pulgada puede significar la gloria o la derrota. Con una pista sonora más allá de mi comprensión, la cinta avanza entre flashbacks, analogías y referencias donde cada partido es un parteaguas para los personajes quienes se definen por la cancha no por lo que sucede afuera.

Al comienzo el ritmo es trepidante, sólo conocemos la fuerza animal de un estadio y las vibras corporales de los jugadores, quienes emiten sonidos bestiales. Este palpitar sólo se podía transmitir como lo vemos en pantalla: una tormenta de imagenes, sudor, gritos y dolor, junto con un ataque de música y sonidos. Conforme los personajes van entendiendo la escencia de su trabajo las tomas se hacen más largas, fijas y distantes; podemos ver su persona junto con su mente. Su vida no se aleja de la pasión, la exhalta, sólo dejan a un lado la locura.

Any Given Sunday puede suceder lo que sea, porque la vida es así. Nuestras mentes avanzan tan rápido como nuestras emociones y chocan con los demás con la misma fuerza y rudeza que dos cuerpos en el campo. Es por ello que mientras más nos arriesgamos más duro caemos mas, ¿No vale la pena perder un ojo o morir por lo que uno ama o ambiciona? Todos buscamos diferentes metas, y el amerciano sólo trabajando en equipo pueden lograrlas.

La cinta además de ser un excelente trabajo en edición, sonido y dirección de actores, es una gran película que habla sobre las pasiones, lo que nos mueve. Aprecien la magificencia del americano y la vida; la locura de lo humano, el alcance de sus temores y emociones. "On any given Sunday you're gonna win or you're gonna lose. The point is - can you win or lose like a man? "

17.9.10

CARTELERA COMERCIAL (16 al 23 de Septiembre) BRIJES

BRIJES
2010


Respecto al cine de animación no hay mucho que decir; al menos respecto a los largometrajes. Hay dos razones: no son muchos y lo que hay no son tan buenos. Obviamente existe una gran brecha entre México y Pixar, no sólo en historias sino en presupuesto. Las animaciones mexicanas se enfrentan continuamente al retraso por falta de equipo o de personal lo cual representa más tiempo de producción, salarios y uso de materia. Sin embargo esto nunca es una excusa para entregar productos malos. Ya se ha demostrado, y Pixar lo ha dicho, la técnica no importa mucho cuando existe una buena historia. Desde hace tres años el cine de animación para niños dio un giro de 360 grados. Con la creación de Nikté y La Leyenda de la Nahuala se podían ver los primeros pasos hacia una animación decente. Con este panorama llega Brijes.

Brijes nos entrega una historia con poca originalidad pero muy bien adaptada a su entorno cultural. Tres niños son elegidos para salvar al mundo de la obscuridad junto con sus brijes, unos compañeros animales con los que se pueden fusionar. En resumen: una clase de Digimon-Pokemón-La Brújula Dorada revuelto con mucho México y con un toque de otras culturas olvidadas. Esta mezcolanza se realiza bastante bien profundizando a un mundo mítico y mágico olvidado por nuestra generación.

El problema esta en el guión, edición y sonido. El primero esta muy saturado (muy común en directores primerizos, quieren contar todo en su primera y, tal vez, última película), lo segundo trata de acomodarlo precariamente y lo tercero es algo plano. El aspecto más cuidado es la imagen. Esta película esta disponible en formato normal y 3D, yo les recomendaría verla en tercera dimensión; toda la imagen esta pensada en sorprender en este formato. Los colores, arte y brijes se ven fantásticos y muy cuidados en cada detalle. Hay un universo bien concebido detrás de toda la parafernalia temática.

Brijes funciona primordialmente para los niños. Contiene batallas, transformaciones y frases muy propias del doblaje mexicano, es decir, bien "mexicanas". Si el adulto-adolescente quiere disfrutar momentos de niñez donde la fe en la imaginación juega un papel primordial, esta es su opción. Mas no hay que olvidar algunos problemas como síntesis y sonido que hay que arreglar para las películas futuras. Simplemente diré: vamos por buen camino, mi niño interior fan de Digimon la disfrutó mucho.

SERIES Lie To Me 2da Temporada

LIE TO ME
Miénteme 2da Temporada


Sinceramente, no hay mucho que decir acerca de esta entretenida y, a veces, interesante serie. Lie to me nos plantea la existencia de Dr. Carl Lightman. A nadie le cae bien por su carácter mezquino, directo e insensible; un tipo de Dr. House. Su empresa The Lightman Group es contratada por el FBI, CIA, grupos empresariales y personas random para que él descubra la verdad. Ésto lo hace "leyendo" los rostros, gestos, movimientos, nivel tonal de la voz y pulso de las personas.

Esta es una serie hecha por episodios, es decir, no hay un hilo conductor narrativo-dramático. En cada capítulo observamos un diferente caso o historia donde podemos descubrir algo de los personajes, pero no necesariamente; casi siempre denuncia un caso social de hipocresía o confianza. Es por ello que la serie no es tan impactante emocionalmente hablando. Podemos ver el episodio cinco y luego el primero entendiendo perfectamente de que va el asunto.
No digo que las series hechas en este formato sean muy malas. De hecho tenemos el caso de Dr. House, donde el drama esta en los personajes y cada caso-episodio aprendemos algo de ellos. Simplemente Lie To Me sólo es entretenido por la novedad de detectar mentiras en los demás.

La serie avanza bien por un ser tan particular como Carl Lightman. Sus ayudantes llegan a destacar ciertos episodios, al igual que su novia-ayudante-segunda mano. Su hija, Emily, los últimos episodios comenzó a destacar mucho con su inteligencia y humor peculiar, lo cual se agradece.

Es muy interesante aprender a leer los rostros o gestos de las personas y tratar de llevarlo a la vida real. Después de todo esa "ciencia" es real y, de hecho, se imparten algunos cursos para empresarios. El cuerpo delata lo que la mente quiere ocultar, es un hecho natural y sencillo. Sólo no miren tan fijamente a las personas como el Dr. Lightman. Sin embargo, la serie no va más allá de esta peculiaridad. Es entretenida a ratos, no se nota las transiciones de una temporada a otra y no llegará a trascender mucho. Mas, probablemente esté equivocada para que todavía no la hayan cancelado. Así que concluiré con que es una serie buena para los domingos en la tarde.

16.9.10

CARTELERA COMERCIAL (16 al 23 de Septiembre) LOS RECOLECTORES

REPO MEN
Los Recolectores (2010)


Hace dos años salió directo a DVD un musical gótico llamado Repo! The Genetic Opera. Su trama y puesta en escena eran muy originales: una empresa había encontrado la manera de crear órganos sintéticos y venderlos a la gente a precios "accesibles", creando la moda de poder vivir la "vida loca" con la opción de mudar de TODO el cuerpo. Mas, si no cumples el plazo de pago un hombre llamado Repo ira a recolectar tu órgano, sin importar que tanto lo necesites. El problema de la película no era su estética emo-gótico extravagante, eran las canciones pop, la edición y las actuaciones molestas.

Miguel Sapochnik retoma la trama para generar un film hollywodense donde la culpa, la persecución y la sangre serán los móviles. Remy, un repo desde hace años, tiene un accidente mientras extraía un corazón. Esto causa que remplacen el suyo. Al regresar al trabajo la empatía le impedirá matar más personas, haciendo que se retrase en los pagos. Ahora es él el perseguido.

La cinta avanza bien entre balas y gargantas cortadas; la tecnología y los vestuarios me agradaron bastante. Sin embargo los personajes no están bien construidos, todo sucede porque, tiene que suceder. Los encuentros y desencuentros son fortuitos y no tienen mucho chiste. Eso si, las peleas están muy bien realizadas. La cámara lenta, las tomas y una que otra a mano hacen que la sangre salpique por todos lados y a grandes cantidades.

Son de hecho dos escenas las que valen la pena. La primera: la batalla final en un pasillo. Comienza con un guiño a Oldboy para despedazar, con cuchillos y sierra a mano, a diez agentes repo. La segunda esta hecha para los fans de David Cronenberg y la teoría de la nueva carne, lo obseno y lo grotesco. Una escena muy erótica y con mucha sangre. Mas para quienes no desen ver las dos anteriores escenas, Repo Men es una película con una trama futurista muy interesante mas no crítica ni aporta nada. Tal vez la mejor sensación es el final al estilo Brazil, al menos sientes que el director trató de hacerla sorprendente.



14.9.10

SERIES True Blood

TRUE BLOOD


Hace unos años resurgió un fenómeno que muchos daban por muerto; despertó de las profundidades y en la noche, como es su costumbre, comenzó a atacar. En cine todo empezó, hablando comercialmente, con estrenos como Blade, la excelente Underworld y radical Night Watch: Nochnoi Dozor; en televisión pudimos observar "Buffy the Vampire Slayer"; y en libros nos sumergimos al maravilloso universo de Anne Rice, (Por acá reseñas de Crónicas Vampíricas). Sin embargo no fueron estos excelentes ejemplos lo que detonó la cacería.

En una época donde las hormonas e historias adolescentes mandan, llegó una autora que echaría todo a perder: Stephen Meyer con su tetralogía Twilight marcaría una nueva época para los vampiros. De este fenómeno surgirían miles de fans entre los 14 hasta los 30 años de edad que soñarían con el vampiro perfecto que las alejara de su vida aburrida para sumergirlas en un mundo de fantasía y romance. Los siguientes años el producto sería explotado mercadotecnicamente para dejarlo seco lo cual a la fecha, todavía no sucede.

A pesar de muchos, demasiados, malos productos entre ellos libros, series y películas, hay algunas cosas que pueden rescatarse o que funcionan como una protesta hacia esos vampiros emos que brillan en la luz del sol. En televisión, sólo HBO podía hacer la serie que sería un descanso y daría esperanza a todos los fans del género.

Es cierto, True Blood es una historia de amor entre un vampiro y una "humana" sin embargo esta no es una historia que entra en los convencionalismos virginales y castos de la mencionada saga twilightera. En la primer temporada nos presentan un mundo donde los vampiros "salen del closet", mostrandose al mundo humano. Su argumento: ya no necesitan sangre humana, un alimento sintético llamado True Blood los proveerá de todo el alimento que quieran tener. La opinión del mundo es dividida, unos quieres matarlos, otros amarlos y otros convertirse en ellos.

Para comenzar, los créditos iniciales son increíbles. Describen a la perfección la esencia de la parte sur de Estados Unidos: sus creencias religiosas y costumbres cautas pero al mismo tiempo tienen su lado masoquista, sexual y propensión hacia la locura. Con estas actitudes contradictorias la historia avanza en un ambiente de racista. Todos los personajes son únicos y tienen personalidades muy definidas. Algunos los odias y a otros los amas, supongo que depende de tu nivel de tolerancia hacia lo raro o exasperante. La fotografía es muy clara y utiliza perfectamente los contrastes; después de todo, la mayoría de la serie ocurre en la obscuridad. Esta conserva su tono sobrio y cuidado durante la serie temporadas.

La segunda temporada será un caos argumental y narrativo. Los vampiros serán puestos a un lado para desarrollar otras historias de seres sobrenaturales como diosas griegas y shapeshifters o fanáticos religiosos. Si bien la protagonista, una excelente y madura Anna Paquin, nunca pierde de vista a su amor Bill, la atención se centra en su pueblo natal y su hermano. Al final, la historia cae mucho por todas las vueltas de tuerca y la inestable conducta de los protagonistas.

Sin muchas esperanzas comencé la tercera temporada de True Blood. Para mi grata sorpresa dejaron a los personajes secundarios sobrenaturales y se centraron en las historias de sus personajes principales desarrollando sus personalidades y traumas. Después de superar su lío con la diosa, Bill le propone matrimonio a Sookie. Ésta después de pensarlo un momento en el baño acepta, cuando sale se da cuenta de que Bill ha sido secuestrado.

Esta temporada se retoman, muy bien, temas como hombres lobo, brujos y hadas. Al contrario de la anterior estos seres sólo son un elemento de apoyo al contar la historia de amor/desamor de Sookie. El ritmo narrativo de todos los episodios fue impecable; justo cuando comenzaba a caer un movimiento inesperado nos dejaba en shock por la sorpresa y el disgusto de saber que el capítulo había terminado. La sangre y el sexo fue más y mejor realizado causando repulsión/gusto (depende de cada uno) por tomas como sexo vampírico rompiendo huesos y volteando cabezas, hombre lobo tomando sangre de un vampiro, muchas estacas en el corazón, personas de blanco bailando alrededor de una fuente de luz, un anciano vampiro vuelto loco con los restos de su amado en una vasija de vidrio, etc.

Lo que más disfrute fue las actuaciones de Lafayette y Jesus como la pareja gay más hermosa que he visto; la relación odio/amor por una, a veces, sobreactuada Tara; el compadecimiento por el hermano noble pero estúpido Jason; y todos los personajes secundarios como los amantes Talbot y Russell, la familia perdida de Sam, la historia de amor de Jessica y Hoyt; hasta te puede gustar la historia de las hadas.

Algunos defectos de la serie muchas veces son parte de sus virtudes. Tantas historias pueden crear un caos en la mente del espectador. A veces, los personajes toman decisiones muy apresuradas o sin reflexionar, aludiendo a una mala actuación o guión. Algunos actores provocan en el espectador, sobretodo Tara, un conflicto interno: literalmente no sabes si llorar o reír. El final de temporada no fue tan definitivo y terminó como cualquier capítulo. Ningún conflicto se resolvió y el destino de los personajes es más incierto que nunca.


... Actualizado:


Terminando la cuarta temporada sólo puedo pensar en lo monótona que se ha vuelto la serie. Si, las escenas, fotografía y hasta el guión rebuscado están en excelente forma. Sin embrago, ¿Hasta que punto pueden rellenar con personajes sobrenaturales que no tienen ni pies ni cabeza? Las relaciones se complican y, con un final de temporada que raya en la desesperación de renovarse, no sé hacia donde se dirige la serie. Sólo se que como espectador regresaré y seguiré viendo una de las propuestas más extravagantes y alucinantes de la televisión actual. Porque en eso se ha convertido su propuesta y yo la acepto perfectamente, aunque poco a poco con menos gusto.


....

Esto es True Blood, una historia de amor entre humanos y vampiros pero teniendo en cuenta una regla simple: los vampiros toman sangre humana, lo disfrutan tanto como el sexo o matar, tienen ambiciones y jerarquías de poder; no son mejores que nadie y, muchas veces, nada buenos. Esta serie no es para cualquiera. Tienes que ser una persona bastante abierta y tolerante, aquí vas a ver fetichismos, fantasías, locuras y realidades que no son mostrados al aire libre pero que existen en la sociedad. True Blood es para quien ama la verdadera sensualidad de los vampiros: la atracción de la muerte y la vida eterna en sangre.  

12.9.10

CINE DVD Los Guerreros

THE WARRIORS
Los Guerreros (1979)


No he visto muchas películas de pandillas adolescentes pero, definitivamente, esta es una buena. El director Walter Hill (posteriormente productor de Alien) nos trae una historia sencilla donde nos muestra la vida en la gran ciudad. Todo comienza cuando Cyrus, un tipo de mesías, reúne a todas las pandillas para exhortarlas a unirse. De pronto alguien le dispara. En el caos, la pandilla The Warriors es culpada y perseguida. Ellos tendrán que regresar a su barrio cruzando todos los territorios enemigos y evadiendo a la policía.

Desde los increíbles créditos iniciales observamos entre corte y corte la tensión de la situación y aprendemos del carácter de los personajes principales. Sus emociones son sencillas y básicas, podemos separar claramente al bad boy del lider y el prudente del vato loco, sin embargo son las sutilezas las que marcan la diferencia. Más allá de guerrilleros, son adolescentes que buscan un poco de aventura; están en un juego pero se comportan con la seriedad de un adulto. Se agradece del guionista incluir el lado femenino de la situación como lo seductor y peligroso. Las chicas también tienen deseos e impulsos que disfrutan y utilizan para su beneficio.

La fotografía y el vestuario de todas las pandillas están muy bien realizadas. Cada outfit marca y resalta la locura e obsesiones adolescentes: los chicos beisboleros, soldados entrenados, las niñas seductoras, etc. Asi mismo la elección de locaciones nos da un retrato fiel y certero del porque de estos chicos: de donde nacen, donde crecen y porque es su territorio.

Uno de los aportes más interesantes es la manufactura de los cortes. Cada cambio de escena esta hecho como si fuera un cómic, nos recuerda que vemos una ficción y al mismo tiempo, nos dice que ellos sólo son unos niños. Toda la situación es un juego, por muy peligrosa que sea. El arte de los dibujos esta muy bien hecha y, a veces, se utiliza para explicar un poco más de las situaciones.

The Warriors es una cinta que explora el universo adolescente sin dejar de ser una metáfora sobre el crecimiento, el derribar obstáculos para llegar a la libertad. Es una película de acción donde el juego nunca termina, pero este nunca es pensado cómo tal. Un historia acerca del coraje y valentía en la ciudad moderna.



Reseña Introspectiva:

Siempre he dicho: la adolescencia comienza cuando los niños se sienten como adultos pero no quieren las responsabilidades de estos. En nuestra época ser adolescente significa poder hacerlo todo con el perdón incondicional de la sociedad. Sin embargo, al joven, la opinión pública no le importa. Todo se trata de obtener respeto y poder entre los suyos. De ahí que un simple chavo no vale nada mas, cuando esta la banda, es todo.

Hace 31 el director Walter Hill adaptó al cine una historia acerca de la pertenencia y la juventud en la gran ciudad. Un lugar donde los adultos son prácticamente inexistentes, y los jóvenes gobiernan en la noche. Utilizo la palabra pertinencia porque eso es lo principal que todos los adolescentes buscan. Actualmente, esta etapa es muy conflictiva. Biológicamente las hormonas comienzan a estallar, todo es nuevo y el mundo esta dispuesto para que tu lo explores. Sin embargo el mundo se opone; todos quieren controlarte y por ello a nadie escuchas, a todos ignoras. Excepto a tus compañeros, quienes tienen la misma impulsividad y coraje para vagar por la vida.

Como respuesta al control social y a la poca tolerancia del adolescente, éste busca lugares donde lo puedan comprender y guiar sus impulsos a donde le provoquen mayor placer. Por ello, en The Warriors, podemos ver diversas pandillas con una gran variedad de vestimentas y con diversos objetivos. Cada una debe contener jóvenes de diferente carácter y personalidades. En ello se basa la adolescencia, en la diferencia y competencia con el otro. Los jóvenes se unen con personas que admiren por una u otra cualidad. En cada grupo siempre habrá una lucha de liderazgo, el que busca ser protegido o el joven problema.

Probablemente mi adolescencia no hubo una batalla épica para llegar a casa, mas si hubo problemas (pequeños que parecían enormes) que bloqueaban el camino a la libertad (en The Warriors el hermoso océano). Porque, si es cierto que el adolescente puede crear amistades fuertes, también se sabe que al final siempre se encuentra solo; la adolescencia es acerca de la formación de uno mismo, ya sea cómo líder o como fiel seguidor, y no incluye a nadie más. O al menos, eso llegue a pensar. La adolescencia como un camino solitario a un destino terrible, un lugar donde las almas se volvían sólidas sin imaginación ni voluntad propia; zombis que se niegan sus propios impulsos e ilusiones; seres mentirosos e hipócritas que no soportan la cruda verdad.

Con el tiempo uno va flexibilizando unas cosas, te vuelves hipócrita por convención social o porque tus objetivos se vuelven tan altos que tienes que pisotear algunos en el camino. Otras cosas nunca las cambias, en el fondo sabes que ya aprendiste que esta bien y que esta mal; el gris si existe y esta en la mayoría de las cosas. Aprendes a crear tu propia religión y moral. Al final, puedes creer que no estas tan solo como suponías.

Eso es la adolescencia, formación de la persona a base de error y prueba. No se si sea eterna, al menos para algunos; a veces uno desearía que si, pero para ello tendríamos que vivir en la eterna preparatoria. Supongo que lo que podemos hacer es conservar nuestros ideales utópicos, nuestra superioridad egocéntrica, mantener viva nuestra vivacidad en impulsos y mantener a raya el miedo de cometer errores. Seguir aprendiendo de la vida, como todo un adolescente.


CARTELERA COMERCIAL (10 al 16 Septiembre) Micmacs: Un Plan de Locos

MICMACS Á TIRE-LARIGOT
Micmacs: Un Plan de Locos (2009)


Del Director de Amélie, A Very Long Engagement y Delicatessen llega a las salas de cine, después de un año, su más reciente obra Micmacs. Como siempre, Jean-Pierre Jeunet absorbe al espectador con un humor irónico, un diseño de arte único y personajes singulares.

La trama es simple. De niño Bazil se queda huérfano por una mina de guerra, de adulto recibe una bala en la cabeza y sobrevive. Casi por casualidad encuentra las empresas que le causaron sufrimiento y planea una inocente venganza donde la ambición de las cabezas empresariales será su arma perfecta.

A pesar de su sencillez la película avanza rápidamente entre gags, chistes y ocurrencias de cada personaje. Todos ellos tienen particularidades que los hacen propios para el trabajo, una suerte de Ocean's Eleven a la freak. La cinta tiene de todo: contorsionista, inventor, guionista, cocinera, hombre bala, hasta maloso que colecciona partes corporales de famosos dictadores y artistas.

Como en sus anteriores películas el diseño de arte es extravagante. La paleta de color es muy específica y demasiado variada. Esta característica no es un defecto, es una cualidad que siempre ha usado el director para acompañar las personalidades únicas de sus actores.

Micmacs, entre muchas otras cosas, es un homenaje a las personas que crean y disfrutan del cine. La cinta tiene muchos guiños ha obras fílmicas como Casablanca, Taxi Driver y El Sueño Eterno. Así como una magnifica escena final donde se parodia el trabajo de los sonidistas incidentales.

La cinta, también funciona como una crítica muy ligera hacia el uso y venta de armas, la cual, es aprobada por lo gobierno pero no por los ciudadanos. Si en Lord of War veíamos el lado cínico aqui observamos una venganza social, algo ingenua e inocente, pero efectiva.

Con una fórmula que esta a punto de terminarse. Jeunet nos da una comedia sencilla e hilarante sobre personas singulares y únicas con un punto de vista optimista y sin perjuicios. Micmacs avanza sin problemas entre risas del público. Si lo que buscan este fin de semana es algo ligero, entretenido y muy bien realizado, no se la pueden perder.

8.9.10

CINE DVD 400 Golpes

Les quatre cents coups

Los 400 Golpes (1959)


La tercera película en la larga filmografía de François Truffaut. Debo de admitir: no había visto algo de él antes. Y, efectivamente, había sido un error muy grande. A pesar de que el título insinúa una trama impactante o tal vez violenta, los 400 golpes es una película entrañable y hermosa que habla acerca de la infancia y la libertad.

La historia es muy sencilla: Antoine Doinel es un chico independiente y sencillo. Sus padres no se preocupan demasiado por él y no tiene muchos amigos. La escuela no le interesa y esta tampoco se interesa por él. Antoine se dedicará a vagar por las calles y a jugar. Sus actividades se verán limitadas por diversos acontecimientos que cambiarán su vida. El punto de vista de las situaciones siempre será desde el protagonista de 14 años, dando una opinión imparcial e inocente acerca de situaciones crudas o incómodas. La cámara nunca se separará de él; por ello, esta nos mostrará planos largos y hermosos de su cotidianidad, ya sea sacando la basura o caminando por las calles. Todas las puestas en escena son veraces y neturales, de ahí los planos abiertos, casi panorámicos.

La cinta, propia del movimiento al que pertenece (la novelle vague), es una crítica social y política de la Francia de los sesenta. Sin embargo, no es un decreto político, simplemente es la visión y vida de una persona que ama las artes y disfruta de la libertad lo más inocentemente posible; por eso el personaje principal es un niño. Antoine se debate entre sus ilusiones y la realidad; busca evadir la rigidez de las instituciones para gozar de la vida y la libertad. Un aspecto indispensable de la vida humana.

Los 400 golpes es una película sencilla que se mueve ágilmente a través de dollys, paneos o cámara fija donde las acciones de los personajes son relatados magníficamente. ¿Cómo no disfrutar después del encierro cuando Antoine corre por tres minutos hacia el mar? Él es la visión que todos tuvimos de niños; el derecho al pensamiento; el disfrutar del arte; tener una vida de independencia y libertad.

7.9.10

CINE DVD La Celebración

Festen
La Celebración (1998)


En el año 1995 los cineastas daneses Lars von Trier (Bailando en la Obscuridad, Dogville), Thomas Vinterberg, Soren Kragh Jakobsen y Kristian Levring hicieron un voto de "castidad". Crearon diez "mandamientos", los cuales, harían un cine puro y verdadero. (Reglamento abajo) La primera película que saldría de esto sería Festen.

La historia es sencilla y al mismo tiempo muy complicada. Una gran familia se reúne para celebrar los sesenta años del padre de familia; pronto veremos que ninguno de los miembros se llevan bien con los demás, se odian y existen muchos rencores que, poco a poco, saldrán a la luz.

Como dicen las reglas, la cinta se basa en las actuaciones. Éstas no son muy complicadas mas, la manera de abordar la situación por medio de la cámara y la edición hacen de la historia algo impactante. Siendo el estilo más documental, la edición toma un papel muy importante en éste tipo de filmes. La fotografía barrida, con tallas muy cerradas y ritmo caótico sólo puede ser organizada de manera coherente por un editor, el cual, busca el ritmo adecuado. Su trabajo ayuda a sentir el espacio casi claustrofóbico donde no hay escapatoria de lo hipocresía familiar.

Si les gustan los filmes experimentales donde las injusticias y maltratos psicológicos familiares están a la orden del día, esta es su película. Si no, la verdad es que también. La cinta transcurre rápidamente entre un drama y otro. Una telenovela mexicana realizada de manera innovadora e independiente. El ritmo frenético de la cámara ayuda a la tensión y rompe perfectamente con la intimidad de los personajes. Los cineastas somos voyeuristas por excelencia. Por ello y muchas cosas más, Festen les va a gustar.

Manifiesto Dogma 95

  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos.
  2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
  3. La cámara debe sostenerse en la mano.
  4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada.
  5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
  6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
  7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
  8. Las películas de género no son válidas.
  9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
  10. El director no debe aparecer en los créditos.

¡Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal! Ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi fin supremo será hacer que la verdad salga de mis personajes y del cuadro de la acción. Juro hacer esto por todos los medios posibles y al precio del buen gusto y de todo tipo de consideraciones estéticas.

Así pronuncio mi voto de castidad.

Copenhague, Lunes 12 de marzo de 1995.

En nombre de Dogme 95,

Lars von Trier - Thomas Vinterberg